foto de cabecera
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Celuloide. Material plástico, muy flexible empleado en la industria fotográfica y cinematográfica para la fabricación de películas; se obtiene de la mezcla de un derivado de celulosa con alcohol y alcanfor.
Celuloide. Material plástico, muy flexible empleado en la industria fotográfica y cinematográfica para la fabricación de películas; se obtiene de la mezcla de un derivado de celulosa con alcohol y alcanfor.
cine y arquitectura
CINE Y ARQUITECTURA
La relación más habitual entre cine y arquitectura, se ha establecido estudiando sus aspectos formales. Es decir a través de las edificaciones que se muestran en la pantalla y su clasificación dentro de un determinado estilo o corriente arquitectónica.
Crear la forma de las edificaciones que aparecen en el cine es el objeto de la escenografía cinematográfica y por lo tanto para conocer estas formas es imprescindible estudiarla. El profesor Federico García Barba, en su Clase Magistral, hace un recorrido por las distintas producciones cinematográficas que han unido a las dos artes, teniendo en algunos casos, el propio arquitecto como protagonista de las mismas.
La relación más habitual entre cine y arquitectura, se ha establecido estudiando sus aspectos formales. Es decir a través de las edificaciones que se muestran en la pantalla y su clasificación dentro de un determinado estilo o corriente arquitectónica.
Crear la forma de las edificaciones que aparecen en el cine es el objeto de la escenografía cinematográfica y por lo tanto para conocer estas formas es imprescindible estudiarla. El profesor Federico García Barba, en su Clase Magistral, hace un recorrido por las distintas producciones cinematográficas que han unido a las dos artes, teniendo en algunos casos, el propio arquitecto como protagonista de las mismas.
2001 odisea en el espacio
La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del "homo sapiens", unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada. (FILMAFFINITY)
Premios1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones, incluyendo Director y Guión
1968: Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera
Premios1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones, incluyendo Director y Guión
1968: Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera
kalpana one
Kalpana Uno fue el resultado de un estudio que se hizo para mejorar los conceptos existentes de estaciones espaciales a gran escala. Algunos de los conceptos existentes tenían problemas con la inestabilidad inherente de rotación alrededor de su eje y un uso ineficiente de volumen y estructura. Para encontrar una forma que crearía más espacio para vivir "un G" y volumen habitable por el blindaje y la masa estructural, se encontró que un alargado puede dar forma sería muy eficaz. Debido a las dimensiones del diseño, se tardaría muy poco de corrección para evitar que se tambalee.El cubo central sería utilizado como un muelle de aterrizaje. Es flota sobre cojinetes magnéticos a permanecer inmóvil mientras que el resto de la estructura gira a alrededor de 2 revoluciones por minuto. Esto permitiría a la entrega de los recursos y las personas o de la exportación de mercancías.
blade runner
Es una de las novelas del prolífico autor de ciencia-ficción Philip K. Dick, transcurren en universos donde todo se encuentra sometido a un férreo control por parte del sistema, donde existen poderosas megacorporaciones sin escrúpulos y donde el ser humano, alienado, anónimo habitante de urbes superpobladas, postindustriales y socialmente corrompidas, busca su propia identidad. Éste es, a grandes rasgos, el ambiente futurista de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep?, 1968), relato que inspiró al cineasta Ridley Scott para filmar Blade Runner en 1982, una de las cintas precursoras del posmodernismo cinematográfico, convertida en objeto de culto. Como en tantas otras ocasiones, se vuelve a fantasear con lo que deparará el imprevisto y pretendidamente asombroso siglo XXI. La narración original demostró una gran lucidez imaginativa a través de su esbozo de una Los Ángeles en 2019 de dimensiones colosales y aires perturbadores. Y la adaptación fílmica lo corroboró presentando un elegante carácter estético insuperable en su época, por lo que aquel diseño de producción recibiría numerosos premios: desde los sobrecogedores efectos especiales, pasando por la oportuna iluminación, los atrevidos maquillajes, hasta los detallistas decorados, contribuyen a crear esa enigmática atmósfera cyberpunk -otro término que se viene empleando desde entonces. Una prodigiosa y heterogénea banda sonora de melodías sintetizadas a cargo del griego Vangelis completa la composición del narcótico entorno. Por doquier se levantan rascacielos que se visten de gala con el potente alumbrado nocturno, chimeneas llameantes flanquean los barrios que son recorridos por vehículos aerodinámicos que surcan el firmamento. Sin embargo, lo que hace de su componente visual un elemento de suma brillantez, más apreciable, si cabe, con el paso de los años, es ese contraste de extremada modernidad de las construcciones metropolitanas con la austeridad vetusta de sus interiores o de los vestuarios de sus habitantes.
Unos androides más fuertes y más ágiles que el hombre y de inteligencia similar, llamados replicantes, fueron concebidos para hacer la vida un poco más cómoda. Pero, el problema de engendrar una criatura de tamaña perfección es que pronto comienza a reclamar su independencia. Rick Deckard es un policía retirado que vuelve a ser llamado por el Cuerpo para eliminar un grupo de estos robots rebeldes. Responde al modelo del héroe cazarrecompensas, un mercenario solitario que se limita a hacer bien su trabajo, elegido por ser el número uno. Fueron buenos años para Ford, pues su protagonismo en esta película, junto a su participación en las sagas de La guerra de las galaxias e Indiana Jones, terminó por encumbrarle como icono pop de los ochenta.
Los replicantes, meros objetos de consumo de una sociedad inconscientemente ambiciosa, buscan respuestas a su efímera existencia, arrasando con todo lo que se les interponga con tal de conseguirlas, puesto que todavía no están provistos de sentimientos humanos. Mas, el último grito del diseño tecnológico está logrando implantar experiencias reales de personas para que las máquinas adopten la capacidad de generar emociones. De esta manera, el filme banaliza lo concreto, lo perceptible por la conciencia y los sentidos, desnaturalizando al individuo y proveyendo de sensibilidad a una máquina. Sirvió para que, ya entonces, de manera tímida, se iniciara la hoy polémica discusión sobre la ética en las investigaciones y el desarrollo de la ingeniería genética.
El descubrimiento de esa incipiente sensorialidad en los replicantes provocará cierta empatía de Deckard hacia ellos -aunque según la versión del film que se tenga en cuenta, se insinúa, o no, que el policía también pudiera ser un androide-, en lo que viene a ser un diminuto resquicio de cordura inmerso en una realidad artificial que ha absorbido toda reflexión y pensamiento que huelan a moral. Una vez más, nos vaticinan que el ser humano será el propio verdugo de su raza.
Unos androides más fuertes y más ágiles que el hombre y de inteligencia similar, llamados replicantes, fueron concebidos para hacer la vida un poco más cómoda. Pero, el problema de engendrar una criatura de tamaña perfección es que pronto comienza a reclamar su independencia. Rick Deckard es un policía retirado que vuelve a ser llamado por el Cuerpo para eliminar un grupo de estos robots rebeldes. Responde al modelo del héroe cazarrecompensas, un mercenario solitario que se limita a hacer bien su trabajo, elegido por ser el número uno. Fueron buenos años para Ford, pues su protagonismo en esta película, junto a su participación en las sagas de La guerra de las galaxias e Indiana Jones, terminó por encumbrarle como icono pop de los ochenta.
Los replicantes, meros objetos de consumo de una sociedad inconscientemente ambiciosa, buscan respuestas a su efímera existencia, arrasando con todo lo que se les interponga con tal de conseguirlas, puesto que todavía no están provistos de sentimientos humanos. Mas, el último grito del diseño tecnológico está logrando implantar experiencias reales de personas para que las máquinas adopten la capacidad de generar emociones. De esta manera, el filme banaliza lo concreto, lo perceptible por la conciencia y los sentidos, desnaturalizando al individuo y proveyendo de sensibilidad a una máquina. Sirvió para que, ya entonces, de manera tímida, se iniciara la hoy polémica discusión sobre la ética en las investigaciones y el desarrollo de la ingeniería genética.
El descubrimiento de esa incipiente sensorialidad en los replicantes provocará cierta empatía de Deckard hacia ellos -aunque según la versión del film que se tenga en cuenta, se insinúa, o no, que el policía también pudiera ser un androide-, en lo que viene a ser un diminuto resquicio de cordura inmerso en una realidad artificial que ha absorbido toda reflexión y pensamiento que huelan a moral. Una vez más, nos vaticinan que el ser humano será el propio verdugo de su raza.
wings of desire
Dos ángeles sobrevuelan Berlín, ciudad dividida por el "muro de la vergüenza". Sólo son visibles para los niños y los hombres de corazón puro. Testigos impotentes que no pueden cambiar el curso de los acontecimientos, sienten una gran compasión por los seres humanos. Uno de ellos, decidido a conocer los sentimientos de los mortales, se enamora de una joven trapecista.
faraón
Faraón es una película polaca del renombrado director Jerzy Kawalerowicz, basada en la novela histórica de Boleslaw Prus, editada en 1897. Cuenta la historia del joven faraón Ramsés XIII en su lucha por recuperar el poder y la hegemonía de la realeza frente al creciente poder, religioso y también político, de la casta de sacerdotes de Amón.
El inicio es realmente sublime: comienza con la imagen de dos escarabajos (metáfora de los poderes político y religioso) disputándose una bola de estiércol (Egipto) en medio del árido desierto. Debido a que son animal sagrado en el Antiguo Egipto, el ejército del faraón, que se topa con ellos mientras realizaba maniobras de entrenamiento, es instado por los sacerdotes a dar un inmenso rodeo por temor a pisarlos. La película nos relata pues, un conflicto propio de la Polonia del XIX, la lucha entre el poder político y el catolicismo ortodoxo, a través del Egipto del II Periodo Intermedio (1800 a.C. - 1550 a.C.). La crítica hacia la religión es también fruto del momento histórico de realización del filme: la Polonia comunista de los años sesenta. Kawalerowicz no sólo nos presenta a los sacerdotes como conspiradores y ambiciosos, sino que además retrata a un pueblo ignorante, ingenuo y supersticioso que se deja manipular frente a ellos.
Pese a contar con un buen número de anacronismos históricos, como por ejemplo el ficticio Ramsés XIII (la dinastía Ramésida finaliza con Ramsés XI) o la relevancia política del pueblo asirio y el hebreo, que no tendría lugar hasta bien entrado el Imperio Nuevo, no dudo en afirmar que muy posiblemente es, de todas las películas del género peplum (películas históricas ambientadas en la Edad Antigua, las famosas “pelis de romanos”) ambientadas en el Antiguo Egipto que conozco, la que mejor recoge la esencia de éste. No veremos en ella los fastuosos decorados de la Cleopatra de Elisabeth Taylor, ni tampoco el Egipto idílico deTierra de Faraones. Muy al contrario, la puesta en escena se caracteriza por su sobriedad y su austeridad. Un Egipto real, donde la arena y el polvo del desierto aparecen en cada rostro, incluido el del propio faraón. Tal realismo se consiguió rodando en Luxor y Bujara (Uzbekistán). Los extras, como anécdota, son soldados soviéticos. La sensación de encontrarnos en el auténtico Egipto de los faraones se acrecienta con una banda sonora limitada casi por completo a determinados cánticos rituales. Tiene también rasgos típicos que no pueden faltar en el género peplum, como la ausencia casi total de violencia explícita, el énfasis en el erotismo y la sensualidad oriental y cómo no, una imagen de las pirámides de Giza.
El atrezzo, las vestimentas y los tocados muestran una buena documentación histórica. Algunas imágenes incluso, nos traen a la mente representaciones artísticas de la época, como por ejemplo la secuencia de la momificación de Ramsés XII (padre del protagonista y también personaje ficticio).
Es una película de casi tres horas de duración, es en mi opinión una obra maestra de principio a fin. Su única pega es precisamente ésta extensa duración, así como la lentitud de algunas de sus escenas (por otro lado, algo típico del cine europeo). Sin embargo, que esto no os desanime, si os gusta el cine histórico, Faraón os encantará, y desde aquí recomiendo encarecidamente su visionado a todo amante de Egipto y de la Historia Antigua. Para terminar, como una imagen vale más que mil palabras, os dejo una de las mejores escenas del filme, la de la entrada de la litera del faraón.
El inicio es realmente sublime: comienza con la imagen de dos escarabajos (metáfora de los poderes político y religioso) disputándose una bola de estiércol (Egipto) en medio del árido desierto. Debido a que son animal sagrado en el Antiguo Egipto, el ejército del faraón, que se topa con ellos mientras realizaba maniobras de entrenamiento, es instado por los sacerdotes a dar un inmenso rodeo por temor a pisarlos. La película nos relata pues, un conflicto propio de la Polonia del XIX, la lucha entre el poder político y el catolicismo ortodoxo, a través del Egipto del II Periodo Intermedio (1800 a.C. - 1550 a.C.). La crítica hacia la religión es también fruto del momento histórico de realización del filme: la Polonia comunista de los años sesenta. Kawalerowicz no sólo nos presenta a los sacerdotes como conspiradores y ambiciosos, sino que además retrata a un pueblo ignorante, ingenuo y supersticioso que se deja manipular frente a ellos.
Pese a contar con un buen número de anacronismos históricos, como por ejemplo el ficticio Ramsés XIII (la dinastía Ramésida finaliza con Ramsés XI) o la relevancia política del pueblo asirio y el hebreo, que no tendría lugar hasta bien entrado el Imperio Nuevo, no dudo en afirmar que muy posiblemente es, de todas las películas del género peplum (películas históricas ambientadas en la Edad Antigua, las famosas “pelis de romanos”) ambientadas en el Antiguo Egipto que conozco, la que mejor recoge la esencia de éste. No veremos en ella los fastuosos decorados de la Cleopatra de Elisabeth Taylor, ni tampoco el Egipto idílico deTierra de Faraones. Muy al contrario, la puesta en escena se caracteriza por su sobriedad y su austeridad. Un Egipto real, donde la arena y el polvo del desierto aparecen en cada rostro, incluido el del propio faraón. Tal realismo se consiguió rodando en Luxor y Bujara (Uzbekistán). Los extras, como anécdota, son soldados soviéticos. La sensación de encontrarnos en el auténtico Egipto de los faraones se acrecienta con una banda sonora limitada casi por completo a determinados cánticos rituales. Tiene también rasgos típicos que no pueden faltar en el género peplum, como la ausencia casi total de violencia explícita, el énfasis en el erotismo y la sensualidad oriental y cómo no, una imagen de las pirámides de Giza.
El atrezzo, las vestimentas y los tocados muestran una buena documentación histórica. Algunas imágenes incluso, nos traen a la mente representaciones artísticas de la época, como por ejemplo la secuencia de la momificación de Ramsés XII (padre del protagonista y también personaje ficticio).
Es una película de casi tres horas de duración, es en mi opinión una obra maestra de principio a fin. Su única pega es precisamente ésta extensa duración, así como la lentitud de algunas de sus escenas (por otro lado, algo típico del cine europeo). Sin embargo, que esto no os desanime, si os gusta el cine histórico, Faraón os encantará, y desde aquí recomiendo encarecidamente su visionado a todo amante de Egipto y de la Historia Antigua. Para terminar, como una imagen vale más que mil palabras, os dejo una de las mejores escenas del filme, la de la entrada de la litera del faraón.
metropolis
Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todoperoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.
Es una obra maestra del cine y película capital del expresionismo alemán, se trata de una visión apocalíptica de la sociedad del futuro. En su día fue una gran superproducción de la potente productora alemana UFA, pero fue un fracaso de taquilla.
Es una obra maestra del cine y película capital del expresionismo alemán, se trata de una visión apocalíptica de la sociedad del futuro. En su día fue una gran superproducción de la potente productora alemana UFA, pero fue un fracaso de taquilla.
le corbusier.
la maquina de habitar
my uncle
Esta película está comentada en la semana 4 de esta página web (Week4)
The black cat
Los recién casados Peter y Joan Alison, en su luna de miel en Hungría , se enteran de que, debido a una confusión, deben compartir un compartimento de tren con el Dr. Vito Werdegast ( Béla Lugosi ), un húngaro psiquiatra . Dieciocho años antes, Werdegast fue a la guerra , no volver a ver a su esposa de nuevo. Ha pasado los últimos 15 años en un infame campo de prisioneros . En el tren, el médico explica que él viaja a ver a un viejo amigo, Hjalmar Poelzig ( Boris Karloff ), un austríaco arquitecto .
Más tarde, el médico, Pedro y Juan, compartir un autobús, que se estrella en un camino barrido por la lluvia desolado. Joan está lesionado, y el médico y Peter la llevara a la casa de Poelzig, construido sobre las ruinas de Fort Marmorus, que Poelzig ordenó durante la guerra. Werdegast trata la lesión de Joan, la administración del alucinógeno hioscina , haciendo que la mujer se comporte de forma errática. Mientras que Peter le pone a la cama, Werdegast acusa Poelzig de traicionar la fortaleza durante la guerra de los rusos , lo que resulta en la muerte de miles de austro-húngaros soldados . También acusa Poelzig de robar a su esposa Karen mientras él estaba en la cárcel. Al principio de la película, Werdegast mata gato negro de Poelzig, pero Poelzig, que mantiene a las mujeres muertas en exhibición en vitrinas, lleva un segundo gato negro alrededor de la casa con él mientras supervisa otras mujeres muertas preservadas.
Poelzig planea sacrificar Joan Alison en un satánico ritual durante la oscuridad de la luna. Se le ve leyendo un libro llamado Los Ritos de Lucifer , mientras que una mujer rubia hermosa duerme a su lado. La rubia es la hija de Werdegast, también llamada Karen; una de las mujeres en los casos de cristal es la esposa de Werdegast. Werdegast espera su tiempo, esperando el momento adecuado para atacar por el arquitecto loco que solía ser su amigo.
Desafortunadamente, Pedro destroza todo. Cuando Poelzig es asesinado y Joan intenta romper una clave de la mano del hombre muerto, él confunde Werdegast de intento de ayudarla como un ataque. Fatalmente heridos, Werdegast explota la casa, dejando que los amantes se escapan. "Ha sido un buen partido", dice antes de que muera.
Más tarde, el médico, Pedro y Juan, compartir un autobús, que se estrella en un camino barrido por la lluvia desolado. Joan está lesionado, y el médico y Peter la llevara a la casa de Poelzig, construido sobre las ruinas de Fort Marmorus, que Poelzig ordenó durante la guerra. Werdegast trata la lesión de Joan, la administración del alucinógeno hioscina , haciendo que la mujer se comporte de forma errática. Mientras que Peter le pone a la cama, Werdegast acusa Poelzig de traicionar la fortaleza durante la guerra de los rusos , lo que resulta en la muerte de miles de austro-húngaros soldados . También acusa Poelzig de robar a su esposa Karen mientras él estaba en la cárcel. Al principio de la película, Werdegast mata gato negro de Poelzig, pero Poelzig, que mantiene a las mujeres muertas en exhibición en vitrinas, lleva un segundo gato negro alrededor de la casa con él mientras supervisa otras mujeres muertas preservadas.
Poelzig planea sacrificar Joan Alison en un satánico ritual durante la oscuridad de la luna. Se le ve leyendo un libro llamado Los Ritos de Lucifer , mientras que una mujer rubia hermosa duerme a su lado. La rubia es la hija de Werdegast, también llamada Karen; una de las mujeres en los casos de cristal es la esposa de Werdegast. Werdegast espera su tiempo, esperando el momento adecuado para atacar por el arquitecto loco que solía ser su amigo.
Desafortunadamente, Pedro destroza todo. Cuando Poelzig es asesinado y Joan intenta romper una clave de la mano del hombre muerto, él confunde Werdegast de intento de ayudarla como un ataque. Fatalmente heridos, Werdegast explota la casa, dejando que los amantes se escapan. "Ha sido un buen partido", dice antes de que muera.
Grobes Schauspielhaus
El Grobes Schauspielhaus (Gran Teatro) era un teatro en Berlín , Alemania , a menudo descrito como un ejemplo de la arquitectura expresionista , diseñado por Hans Poelzig de empresario teatral Max Reinhardt .La estructura fue originalmente un mercado construido por el arquitecto Friedrich Hitzig , y retuvo su exterior, a dos aguas formulario. A continuación, se convirtió en el Zirkus Schumann, un circo de arena. Fue renovado por Poelzig y reabierto en 1919, contenía asientos para 3.500 personas. Max Reinhardt quería atraer a un público de clase trabajadora al teatro. El gran tamaño permitido para las personas que podían pagar altos precios para los mejores asientos para apoyar a los asientos de bajo costo en la parte posterior del teatro.
Fue pintado en rojo. Era una cavernosa cúpula espacio y no tenía balcones, lo que contribuyó a su inmensidad. La cúpula y pilares estaban decoradas con maquernas, un ornamento colgante en forma de panal, que se parecían estalactitas . Cuando está iluminado, del techo bombillas forman patrones de celestes constelaciones , y el techo abovedado tomaron en otro concepto, el cielo nocturno. En el vestíbulo y en otros lugares, Poelzig hizo uso de bombillas de colores para crear contextos visuales sorprendentes. Entradas separadas fueron proporcionados para la cara y los asientos baratos. El teatro también incluye un restaurante para los miembros ricos de la audiencia, una cafetería para los miembros de la audiencia más pobres, y un bar. Los artistas y técnicos disfrutaron de su propio bar, una peluquería, espacio vestidor amplio, y el equipo de la etapa moderna.
Los nazis tomaron el teatro en 1933. Ellos cambiaron el nombre por el de El Teatro del Pueblo. Los nazis, que describe este edificio como un ejemplo de Entartete Kunst , reformado el teatro en el interior mediante la adición de un techo suspendido para ocultar las formas de estalactitas. Después de la Segunda Guerra Mundial , el teatro fue utilizado para espectáculos de variedades, y luego como un almacén militar hasta 1988, cuando fue condenado y demolido.
Fue pintado en rojo. Era una cavernosa cúpula espacio y no tenía balcones, lo que contribuyó a su inmensidad. La cúpula y pilares estaban decoradas con maquernas, un ornamento colgante en forma de panal, que se parecían estalactitas . Cuando está iluminado, del techo bombillas forman patrones de celestes constelaciones , y el techo abovedado tomaron en otro concepto, el cielo nocturno. En el vestíbulo y en otros lugares, Poelzig hizo uso de bombillas de colores para crear contextos visuales sorprendentes. Entradas separadas fueron proporcionados para la cara y los asientos baratos. El teatro también incluye un restaurante para los miembros ricos de la audiencia, una cafetería para los miembros de la audiencia más pobres, y un bar. Los artistas y técnicos disfrutaron de su propio bar, una peluquería, espacio vestidor amplio, y el equipo de la etapa moderna.
Los nazis tomaron el teatro en 1933. Ellos cambiaron el nombre por el de El Teatro del Pueblo. Los nazis, que describe este edificio como un ejemplo de Entartete Kunst , reformado el teatro en el interior mediante la adición de un techo suspendido para ocultar las formas de estalactitas. Después de la Segunda Guerra Mundial , el teatro fue utilizado para espectáculos de variedades, y luego como un almacén militar hasta 1988, cuando fue condenado y demolido.
the fountainhead
El manantial.
El manantial (The fountainhead) es una novela de 1943 escrita por Ayn Rand. Este fue uno de los mayores éxitos literarios de Rand, que, junto con "La Rebelión de Atlas", le trajo fama y el éxito financiero. Se ha vendido más de 6,5 millones de copias en todo el mundo.
El protagonista de la novela, Howard Roark, es un joven arquitecto que decide luchar sólo contra los convencionalismo sociales, las ideas preconcebidas, los prejuicios, y las mentes pusilánimes, en lugar de comprometer su visión artística y personal. El libro sigue su batalla para practicar lo que el público ve como la arquitectura moderna y racional, en un establishment centrado en la adoración de la tradición y la falta de originalidad. El cómo otros personajes se refieren a Roark en la novela revela diversos tipos de arquetipos del carácter humano, todos los cuales son variaciones entre Roark, el hombre ideal, de espíritu único, independiente e íntegro, y lo que la autora describe como "second-handers" (subordinados); personas mediocres cuyo objetivo es lograr el "éxito" aunque tengan que traicionarse a sí mismos y a sus principios y a las personas que aman y valoran, persiguiendo a todas aquellas personas que se alzan en contra de la mediocridad para mostrar su originalidad. Las complejas relaciones entre Roark y los diferentes tipos de personas que ayudan u obstaculizan su progreso, o ambas cosas, permiten que la novela sea a la vez un drama romántico y una obra filosófica. Roark es la encarnación de Rand del espíritu humano, y su lucha representa el triunfo del individualismo y la integridad personal sobre el colectivismo y la falta de principios sólidos.
El título del libro es una referencia a una cita de la autora: El ego del hombre es el manantial del progreso humano. Además de dedicarlo a su marido, Frank O'Connor, Ayn Rand también se lo dedicó a "la noble profesión de la arquitectura", escogiendo la arquitectura por la analogía que ofrecía con sus ideas: La supremacía del ego y la visión personal que cada artista cristaliza y plasma en sus obras, como virtudes. La novela fue llevada al cine en 1949. Rand escribió el guión y Gary Cooper interpretó a Roark.
fran lloyd wright
El documental 'Frank Lloyd Wright', dirigido por Ken Burns y su compañera Lynn Novick,construye, mediante el testimonio de familiares y conocidos y gran cantidad de material de archivo, un certero retrato del mayor arquitecto del siglo XX que no elude sus sombras.
Hablar de Frank Lloyd Wright (Wisconsin, USA, 1867) es hablar del hombre que diseñó el paisaje inmobiliario de la América del pasado siglo. Gracias a su arquitectura orgánica, supo conjugar la grandeza de sus edificaciones con la naturaleza, y dotó a Estados Unidos de una arquitectura genuina, alejada de los cánones de la Europa neoclásica.
Su vida no fue un remanso de paz, en parte debido a su controvertido carácter que le llevó a abandonar la oficina del prestigioso arquitecto Sullivan, para el que trabajaba como delineante jefe. Fue entonces cuando empezó a diseñar por su cuenta y creó la reputada Casa Winslow (1893-4), la primera de las Praire Houses (Casas de la pradera) con las que transformaría el paisaje urbano estadounidense. Viviendas unifamiliares, cuyo núcleo central lo constituye una gran chimenea, y que no separa sus estancias mediante cerramientos sólidos, sino utilizando materiales ligeros o techos a distinta altura.
El éxito del diseño le llevó a su época de mayor esplendor, pero él mismo se encargó de dinamitarla. Su agitada vida familiar (se casó tres veces y tuvo siete hijos a los que jamás prestó demasiado caso) y su fama de ser un tipo difícil provocó que bajara el número de proyectos. Pero también ahí supo reinventarse. Escribió su autobiografía y fundó una academia de arquitectura en la Taliesin (1932), la vivienda que él mismo diseñó para vivir. Resurgió de sus cenizas, fue objeto de una exposición en el MoMa y acabó recibiendo proyectos tan famosos como el Museo Guggenheim de Nueva York (1937). Como curiosidad cinéfila, Frank Lloyd Wright es abuelo de la oscarizada actriz Anne Baxter ('Eva al desnudo'), y estuvo a punto de encargarse de los diseños arquitectónicos de 'El manantial' (King Vidor, 1949), film inspirado en la novela de Ayn Rand, quien se inspiró en el arquitecto para crear el personaje protagonista. Los productores, ante las exorbitantes demandas económicas de Wright, tuvieron que desestimar esta opción.
Hablar de Frank Lloyd Wright (Wisconsin, USA, 1867) es hablar del hombre que diseñó el paisaje inmobiliario de la América del pasado siglo. Gracias a su arquitectura orgánica, supo conjugar la grandeza de sus edificaciones con la naturaleza, y dotó a Estados Unidos de una arquitectura genuina, alejada de los cánones de la Europa neoclásica.
Su vida no fue un remanso de paz, en parte debido a su controvertido carácter que le llevó a abandonar la oficina del prestigioso arquitecto Sullivan, para el que trabajaba como delineante jefe. Fue entonces cuando empezó a diseñar por su cuenta y creó la reputada Casa Winslow (1893-4), la primera de las Praire Houses (Casas de la pradera) con las que transformaría el paisaje urbano estadounidense. Viviendas unifamiliares, cuyo núcleo central lo constituye una gran chimenea, y que no separa sus estancias mediante cerramientos sólidos, sino utilizando materiales ligeros o techos a distinta altura.
El éxito del diseño le llevó a su época de mayor esplendor, pero él mismo se encargó de dinamitarla. Su agitada vida familiar (se casó tres veces y tuvo siete hijos a los que jamás prestó demasiado caso) y su fama de ser un tipo difícil provocó que bajara el número de proyectos. Pero también ahí supo reinventarse. Escribió su autobiografía y fundó una academia de arquitectura en la Taliesin (1932), la vivienda que él mismo diseñó para vivir. Resurgió de sus cenizas, fue objeto de una exposición en el MoMa y acabó recibiendo proyectos tan famosos como el Museo Guggenheim de Nueva York (1937). Como curiosidad cinéfila, Frank Lloyd Wright es abuelo de la oscarizada actriz Anne Baxter ('Eva al desnudo'), y estuvo a punto de encargarse de los diseños arquitectónicos de 'El manantial' (King Vidor, 1949), film inspirado en la novela de Ayn Rand, quien se inspiró en el arquitecto para crear el personaje protagonista. Los productores, ante las exorbitantes demandas económicas de Wright, tuvieron que desestimar esta opción.
REBELDE SIN CAUSA.
Nicholas Ray
Nicholas Ray(Raymond Nicholas Kienzle; Galesville, 1911 - Nueva York, 1979) Director de cine norteamericano. Nicholas Ray representa uno de los máximos exponentes del individuo atrapado por el veneno del cine, medio en el que volcó toda su vida personal hasta incluso filmar su larga agonía como consecuencia de una grave enfermedad. Surgido en el seno de una generación de cineastas que padeció el tránsito del modelo clásico hacia los movimientos de ruptura, supo acomodarse a cada una de las circunstancias sin que su estilo inconfundible se resintiera por ello. Esa capacidad camaleónica y su enfermiza pasión por hacer películas como si fueran parte esencial de su existencia suscitaron la admiración de innumerables colegas y críticos, alguno de los cuales, caso del cineasta Jean Luc Godard, llegó a plasmarla en una frase para el recuerdo: "El cine es Nicholas Ray".
Nicholas se crió en un pequeño pueblecito a orillas del río Mississippi, rodeado de amigos como Joseph Losey, que más tarde también sería director cinematográfico, y soñando con convertirse en músico o escritor. Su llegada al Instituto le permitió entrar en contacto con el mundo de la radio y diseñar una serie de programas de éxito con los que obtuvo una beca para la Universidad de Chicago bajo la tutela del innovador pedagogo Robert Maynard Hutchins.
A su sombra, Nicholas Ray decidiría simultanear los estudios de arte dramático con los de arquitectura, hasta que el mítico artista Frank Lloyd Wright le invitó a integrarse en una comuna creativa denominada Taliesin Fellowship. Este proyecto quería concebir la arquitectura como método filosófico y síntesis de múltiples disciplinas, partiendo del diálogo entre creadores procedentes de distintos campos, y tuvo una enorme influencia estética en la posterior carrera cinematográfica de Nicholas Ray.
De hecho, si algo caracteriza su obra es precisamente la tensión latente que nace del concepto geométrico de los espacios y el uso expresivo del color, todo ello al servicio de la profundización psicológica en los personajes. Por un lado, la utilización magistral de formatos panorámicos como el CinemaScope o de los violentos contrastes de color le elevaron a la categoría de los grandes maestros. Por otro, los héroes de sus films son casi siempre perdedores silenciosos, jóvenes rebeldes o individuos atormentados que intentan sobrevivir en un medio hostil que, al mismo tiempo, para el resto de la humanidad es el mundo real.
Los cambios de humor o las distintas etapas de su vida tienen reflejo en la pantalla a través de los colores o de la composición del encuadre, hasta unos extremos de barroquismo que harían famoso a Ray y le convertirían en portavoz de las nuevas generaciones enfrentadas al mundo que le ofrecían sus padres. No en balde a él se le debe un auténtico manifiesto como Rebelde sin causa, donde James Dean encarnaba al típico amante de la velocidad y el riesgo que prefiere morir joven antes que someterse a las reglas de la sociedad.
Su entrada en el cine se produjo como consecuencia de la amistad que le unía con Elia Kazan, forjada en los escenarios teatrales. Tras una amplia trayectoria como director en grupos radicales que defendían un teatro proletario y como realizador pionero para la televisión, le llegaba el turno al cine, donde hizo un aprendizaje acelerado de las diferentes profesiones trabajando como montador, actor o ayudante de dirección.
El debut tras las cámaras se produciría finalmente en 1947 con They Live by Night, que sin embargo no llegó a estrenarse hasta dos años después. Lejos de amedrentarse, y tras la firma de un contrato de larga duración con la RKO, siguió haciendo películas donde el melodrama se daba la mano con la estética del cine negro, caso de Llamad a cualquier puerta, protagonizada por Humphrey Bogart. Su ascendente prestigio dentro de la RKO llevaría al empresario Howard Hughes, máxima cabeza visible de la empresa, a ofrecerle la dirección administrativa, cargo que Nicholas Ray rechazó, aunque se comprometió por gratitud a rehacer o finalizar diversos largometrajes que no habían podido ser estrenados, así como a realizar un proyecto largamente acariciado por el estudio: Infierno en las nubes.
Sin embargo, en 1952 los crecientes conflictos personales mantenidos con quien sería nombrado director administrativo de RKO, Jerry Wald, le indujeron a solicitar la rescisión del contrato para convertirse en director independiente. De forma paradójica, esta situación de aparente mayor libertad trajo consigo pasado el tiempo todo lo contrario: un difícil período de ostracismo profesional.
Por lo pronto, una de las obras cumbres de su carrera, el western crepuscularJohnny Guitar hubo de ser financiado por la modesta Republic, una empresa con escasos canales de distribución y cuyo mercado principal eran las salas de segundo orden. Con todo, el éxito obtenido por este filme en esas circunstancias animó a la Warner a hacerle una sustanciosa oferta: carta blanca para realizar un proyecto que tuviera a la juventud como protagonista y principal destinatario.
Surge así Rebelde sin causa, manifiesto generacional de profunda influencia en la sociedad y cuyas recaudaciones en taquilla fueron además sensacionales, hasta el extremo de convertir a Ray en uno de los directores mejor pagados de Hollywood. Su estrecha relación con James Dean parecía augurarle un futuro lleno de esperanzas, pero la repentina muerte del actor en accidente de tráfico las truncó de raíz. Tras Bigger Than Life, filme que pasó desapercibido en la época pero que con el paso de los años se ha convertido en una de las obras de referencia para infinidad de cinéfilos, comenzó a plantearse el éxodo de los Estados Unidos como única forma de garantizar la continuidad de su carrera al margen de los grandes estudios.
Dirigió así Amarga victoria, filmada entre Francia y Libia, donde los numerosos problemas de rodaje se agravaron con una pésima distribución comercial, lo cual puso aún más en entredicho su fama. La situación tocó fondo con Viento sobre las Everglades, rodada en la zona pantanosa de Florida y donde Ray acabó contrayendo una grave enfermedad que condujo a su fulminante sustitución antes de acabar el trabajo.
Sumergido en un proceso autodestructivo que no parecía tener salida, el siguiente paso fue el alcoholismo, de cuyas garras no pudo escapar hasta casi el final de sus días. A finales de la década de los cincuenta, amargado y sin posibilidades de remontar el vuelo, abandonaría definitivamente Hollywood para emprender la aventura europea con un filme épico: Los dientes del diablo.
Contratado por el productor Samuel Bronston, que estaba creando un pequeño imperio en España, realizaría las superproducciones Rey de Reyes y 55 días en Pekín, con las que esperaba reverdecer viejos laureles. No obstante, las tensiones entre su deseo cada vez mayor de hacer un cine intimista y el colosalismo de la superproducción acabaron haciéndole enfermar de nuevo. Sólo la confianza depositada por Bronston en sus aptitudes permitió que se quedara hasta 1964 en España, donde tanteó negocios tan alejados de sus verdaderos intereses como la apertura de un club nocturno o una galería de arte.
Rebelde sin Causa
Es una adaptación del libro de 1944 del psiquiatra Robert M. Lindner Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal Psychopath (Rebelde sin causa: El hipnoanálisis de un psicópata criminal). La película, sin embargo, no hace referencia alguna al libro de Lindner.En 1990, la película Rebelde sin causa fue incluida entre las que preserva el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser consideradas «cultural, histórica, o estéticamente significativas».La obra cuenta la historia de un adolescente rebelde, recién llegado a Los Ángeles. Allí conoce a una chica, desobedece a sus padres y desafía a los caciques del instituto local.
Jimmy Stark (James Dean), estudiante de instituto, es un chico particularmente difícil: confuso y desorientado, se ve frecuentemente envuelto en peleas y conflictos, a consecuencia de los cuales su familia, en la cual es el hijo único, se ve obligada a un permanente peregrinaje de una ciudad a otra. Llegado a Los Ángeles, también encontrará nuevos sentimientos hasta entonces desconocidos, el amor de Judy (Natalie Wood), y la amistad admirativa de ‘Platón’ Crawford (Sal Mineo), un muchacho aún más joven que él. No tarda en sostener su enésimo enfrentamiento, aunque, en esta ocasión, las consecuencias serán mucho más terribles...
Nicholas se crió en un pequeño pueblecito a orillas del río Mississippi, rodeado de amigos como Joseph Losey, que más tarde también sería director cinematográfico, y soñando con convertirse en músico o escritor. Su llegada al Instituto le permitió entrar en contacto con el mundo de la radio y diseñar una serie de programas de éxito con los que obtuvo una beca para la Universidad de Chicago bajo la tutela del innovador pedagogo Robert Maynard Hutchins.
A su sombra, Nicholas Ray decidiría simultanear los estudios de arte dramático con los de arquitectura, hasta que el mítico artista Frank Lloyd Wright le invitó a integrarse en una comuna creativa denominada Taliesin Fellowship. Este proyecto quería concebir la arquitectura como método filosófico y síntesis de múltiples disciplinas, partiendo del diálogo entre creadores procedentes de distintos campos, y tuvo una enorme influencia estética en la posterior carrera cinematográfica de Nicholas Ray.
De hecho, si algo caracteriza su obra es precisamente la tensión latente que nace del concepto geométrico de los espacios y el uso expresivo del color, todo ello al servicio de la profundización psicológica en los personajes. Por un lado, la utilización magistral de formatos panorámicos como el CinemaScope o de los violentos contrastes de color le elevaron a la categoría de los grandes maestros. Por otro, los héroes de sus films son casi siempre perdedores silenciosos, jóvenes rebeldes o individuos atormentados que intentan sobrevivir en un medio hostil que, al mismo tiempo, para el resto de la humanidad es el mundo real.
Los cambios de humor o las distintas etapas de su vida tienen reflejo en la pantalla a través de los colores o de la composición del encuadre, hasta unos extremos de barroquismo que harían famoso a Ray y le convertirían en portavoz de las nuevas generaciones enfrentadas al mundo que le ofrecían sus padres. No en balde a él se le debe un auténtico manifiesto como Rebelde sin causa, donde James Dean encarnaba al típico amante de la velocidad y el riesgo que prefiere morir joven antes que someterse a las reglas de la sociedad.
Su entrada en el cine se produjo como consecuencia de la amistad que le unía con Elia Kazan, forjada en los escenarios teatrales. Tras una amplia trayectoria como director en grupos radicales que defendían un teatro proletario y como realizador pionero para la televisión, le llegaba el turno al cine, donde hizo un aprendizaje acelerado de las diferentes profesiones trabajando como montador, actor o ayudante de dirección.
El debut tras las cámaras se produciría finalmente en 1947 con They Live by Night, que sin embargo no llegó a estrenarse hasta dos años después. Lejos de amedrentarse, y tras la firma de un contrato de larga duración con la RKO, siguió haciendo películas donde el melodrama se daba la mano con la estética del cine negro, caso de Llamad a cualquier puerta, protagonizada por Humphrey Bogart. Su ascendente prestigio dentro de la RKO llevaría al empresario Howard Hughes, máxima cabeza visible de la empresa, a ofrecerle la dirección administrativa, cargo que Nicholas Ray rechazó, aunque se comprometió por gratitud a rehacer o finalizar diversos largometrajes que no habían podido ser estrenados, así como a realizar un proyecto largamente acariciado por el estudio: Infierno en las nubes.
Sin embargo, en 1952 los crecientes conflictos personales mantenidos con quien sería nombrado director administrativo de RKO, Jerry Wald, le indujeron a solicitar la rescisión del contrato para convertirse en director independiente. De forma paradójica, esta situación de aparente mayor libertad trajo consigo pasado el tiempo todo lo contrario: un difícil período de ostracismo profesional.
Por lo pronto, una de las obras cumbres de su carrera, el western crepuscularJohnny Guitar hubo de ser financiado por la modesta Republic, una empresa con escasos canales de distribución y cuyo mercado principal eran las salas de segundo orden. Con todo, el éxito obtenido por este filme en esas circunstancias animó a la Warner a hacerle una sustanciosa oferta: carta blanca para realizar un proyecto que tuviera a la juventud como protagonista y principal destinatario.
Surge así Rebelde sin causa, manifiesto generacional de profunda influencia en la sociedad y cuyas recaudaciones en taquilla fueron además sensacionales, hasta el extremo de convertir a Ray en uno de los directores mejor pagados de Hollywood. Su estrecha relación con James Dean parecía augurarle un futuro lleno de esperanzas, pero la repentina muerte del actor en accidente de tráfico las truncó de raíz. Tras Bigger Than Life, filme que pasó desapercibido en la época pero que con el paso de los años se ha convertido en una de las obras de referencia para infinidad de cinéfilos, comenzó a plantearse el éxodo de los Estados Unidos como única forma de garantizar la continuidad de su carrera al margen de los grandes estudios.
Dirigió así Amarga victoria, filmada entre Francia y Libia, donde los numerosos problemas de rodaje se agravaron con una pésima distribución comercial, lo cual puso aún más en entredicho su fama. La situación tocó fondo con Viento sobre las Everglades, rodada en la zona pantanosa de Florida y donde Ray acabó contrayendo una grave enfermedad que condujo a su fulminante sustitución antes de acabar el trabajo.
Sumergido en un proceso autodestructivo que no parecía tener salida, el siguiente paso fue el alcoholismo, de cuyas garras no pudo escapar hasta casi el final de sus días. A finales de la década de los cincuenta, amargado y sin posibilidades de remontar el vuelo, abandonaría definitivamente Hollywood para emprender la aventura europea con un filme épico: Los dientes del diablo.
Contratado por el productor Samuel Bronston, que estaba creando un pequeño imperio en España, realizaría las superproducciones Rey de Reyes y 55 días en Pekín, con las que esperaba reverdecer viejos laureles. No obstante, las tensiones entre su deseo cada vez mayor de hacer un cine intimista y el colosalismo de la superproducción acabaron haciéndole enfermar de nuevo. Sólo la confianza depositada por Bronston en sus aptitudes permitió que se quedara hasta 1964 en España, donde tanteó negocios tan alejados de sus verdaderos intereses como la apertura de un club nocturno o una galería de arte.
Rebelde sin Causa
Es una adaptación del libro de 1944 del psiquiatra Robert M. Lindner Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal Psychopath (Rebelde sin causa: El hipnoanálisis de un psicópata criminal). La película, sin embargo, no hace referencia alguna al libro de Lindner.En 1990, la película Rebelde sin causa fue incluida entre las que preserva el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser consideradas «cultural, histórica, o estéticamente significativas».La obra cuenta la historia de un adolescente rebelde, recién llegado a Los Ángeles. Allí conoce a una chica, desobedece a sus padres y desafía a los caciques del instituto local.
Jimmy Stark (James Dean), estudiante de instituto, es un chico particularmente difícil: confuso y desorientado, se ve frecuentemente envuelto en peleas y conflictos, a consecuencia de los cuales su familia, en la cual es el hijo único, se ve obligada a un permanente peregrinaje de una ciudad a otra. Llegado a Los Ángeles, también encontrará nuevos sentimientos hasta entonces desconocidos, el amor de Judy (Natalie Wood), y la amistad admirativa de ‘Platón’ Crawford (Sal Mineo), un muchacho aún más joven que él. No tarda en sostener su enésimo enfrentamiento, aunque, en esta ocasión, las consecuencias serán mucho más terribles...
DOS EN LA CARRETERA
Audrey Hepburn (Joanna Wallace), Albert Finney (Mark Wallace), Eleanor Bron (Cathy Maxwell-Manchester), William Daniels (Howard Maxwell-Manchester), Gabrielle Middleton (Ruth Maxwell-Manchester), Claude Dauphin (Maurice Dalbret), Nadia Gray (Françoise Dalbret), Georges Descrières (David), Jacqueline Bisset (Jackie).
Mark y Joanna Wallace reflexionan mientras se dirigen a Saint Tropez, y tras abandonar la idea de cruzar el canal en barco para ir en avión por una llamada de Maurice, sobre su relación desde que se conocieron hasta el presente, en que su pasión e ilusiones han decrecido en orden inverso a su ascenso económico.
Se conocieron cuando ella le ayudó a encontrar su pasaporte al llegar en el barco a Francia siendo él un arquitecto recién licenciado y ella la componente de un coro femenino. Y volvieron a coincidir cuando la furgoneta en que viajaba el coro se salió de la carretera al despistarse la conductora tras verle a él viajando en el remolque de un tractor.
Mark las ayudó con la furgoneta quedando prendado de Jackie, con la que planeaba viajar por Francia aprovechando que sus compañeras del coro tenían la varicela. No contaban con que se les iba a unir Joanna, que tampoco la tenía, y que, a la postre será su única acompañante cuando también Jackie la contraiga, siendo con ella con la que viaje haciendo auto-stop en los más diversos vehículos hasta que se enamoran, llegando en un camión de ovejas hasta un hotel, donde pasarán su primera noche juntos para continuar su viaje que acabarán al llegar de forma insospechada al Mediterráneo al despertar dentro de unos enormes tubos donde se habían refugiado de la lluvia y que cargó un camión.
Una vez en la playa se bañan y toman el sol temiendo que llegue el día de separarse para que ella se una al coro. Y como no toman precauciones acaban con la piel quemada pese a lo cual no podían desaprovechar ningún momento para estar juntos.
Su siguiente viaje lo realizaron con Cathy Manchester, antigua novia de Mark, Howard, su marido, y su insoportable hija Ruthy camino de Grecia. Un infernal viaje en que Howard lo tiene todo milimétricamente calculado: kilómetros, turnos de conducción, lugares donde parar, etc. Acabarán hartos de Ruthy, cuando les quita la llave del coche y las tira haciendo que se pasen horas buscándolas hasta que Joanna la amenaza y la niña confiesa dónde las tiró. Acabarán el viaje antes de tiempo al contar Ruth que sus padres insultaron a Joanna.
Su siguiente viaje lo realizaron en un viejo MG de segunda mano que ella debía empujar para que arrancara, que subía las cuestas marcha atrás y cuyo tubo de escape se les rompió durante el viaje, haciendo él una reparación de urgencia que no duró, pues poco después, y justo cuando ella acaba de confesarle que está embarazada, comienza a arder.
Tras pagar un dineral por el servicio de bomberos y, para no pagar grúa lo empujan ellos, hasta que pierden el control y derriba un cobertizo. Un adinerado hombre de negocios Maurice, que vio el incidente se hace cargo de los pagos, y los acoge en su coche. Y como casualmente necesita un arquitecto, Mark consigue su primer trabajo importante, siguiendo trabajando con él en el futuro, como cuando Joanna cuida de su hija recién nacida, teniendo él una aventura con otra mujer. Mientras, Joanna está ya hastiada de tanta reunión de negocios y no disfrutará de los lujos de la mansión de Maurice hasta la aparición de David, cuñado de este, que la lleva a volar y del que se queda prendada, pasando con él la noche.
Llegados a la nueva casa de Maurice en Saint Tropez diseñada por Mark, coinciden con David, con el que Mark cree que Joanna regresará, tratando de vengarse al intentar ligar con una bella muchacha, que pronto descubrirá que es la prometida de David.
Viajando hacia Italia, por otro compromiso Mark y Joanna aceptan el futuro con conformismo a sabiendas de que su relación jamás volverá a recuperar su intensidad.
Mark y Joanna Wallace reflexionan mientras se dirigen a Saint Tropez, y tras abandonar la idea de cruzar el canal en barco para ir en avión por una llamada de Maurice, sobre su relación desde que se conocieron hasta el presente, en que su pasión e ilusiones han decrecido en orden inverso a su ascenso económico.
Se conocieron cuando ella le ayudó a encontrar su pasaporte al llegar en el barco a Francia siendo él un arquitecto recién licenciado y ella la componente de un coro femenino. Y volvieron a coincidir cuando la furgoneta en que viajaba el coro se salió de la carretera al despistarse la conductora tras verle a él viajando en el remolque de un tractor.
Mark las ayudó con la furgoneta quedando prendado de Jackie, con la que planeaba viajar por Francia aprovechando que sus compañeras del coro tenían la varicela. No contaban con que se les iba a unir Joanna, que tampoco la tenía, y que, a la postre será su única acompañante cuando también Jackie la contraiga, siendo con ella con la que viaje haciendo auto-stop en los más diversos vehículos hasta que se enamoran, llegando en un camión de ovejas hasta un hotel, donde pasarán su primera noche juntos para continuar su viaje que acabarán al llegar de forma insospechada al Mediterráneo al despertar dentro de unos enormes tubos donde se habían refugiado de la lluvia y que cargó un camión.
Una vez en la playa se bañan y toman el sol temiendo que llegue el día de separarse para que ella se una al coro. Y como no toman precauciones acaban con la piel quemada pese a lo cual no podían desaprovechar ningún momento para estar juntos.
Su siguiente viaje lo realizaron con Cathy Manchester, antigua novia de Mark, Howard, su marido, y su insoportable hija Ruthy camino de Grecia. Un infernal viaje en que Howard lo tiene todo milimétricamente calculado: kilómetros, turnos de conducción, lugares donde parar, etc. Acabarán hartos de Ruthy, cuando les quita la llave del coche y las tira haciendo que se pasen horas buscándolas hasta que Joanna la amenaza y la niña confiesa dónde las tiró. Acabarán el viaje antes de tiempo al contar Ruth que sus padres insultaron a Joanna.
Su siguiente viaje lo realizaron en un viejo MG de segunda mano que ella debía empujar para que arrancara, que subía las cuestas marcha atrás y cuyo tubo de escape se les rompió durante el viaje, haciendo él una reparación de urgencia que no duró, pues poco después, y justo cuando ella acaba de confesarle que está embarazada, comienza a arder.
Tras pagar un dineral por el servicio de bomberos y, para no pagar grúa lo empujan ellos, hasta que pierden el control y derriba un cobertizo. Un adinerado hombre de negocios Maurice, que vio el incidente se hace cargo de los pagos, y los acoge en su coche. Y como casualmente necesita un arquitecto, Mark consigue su primer trabajo importante, siguiendo trabajando con él en el futuro, como cuando Joanna cuida de su hija recién nacida, teniendo él una aventura con otra mujer. Mientras, Joanna está ya hastiada de tanta reunión de negocios y no disfrutará de los lujos de la mansión de Maurice hasta la aparición de David, cuñado de este, que la lleva a volar y del que se queda prendada, pasando con él la noche.
Llegados a la nueva casa de Maurice en Saint Tropez diseñada por Mark, coinciden con David, con el que Mark cree que Joanna regresará, tratando de vengarse al intentar ligar con una bella muchacha, que pronto descubrirá que es la prometida de David.
Viajando hacia Italia, por otro compromiso Mark y Joanna aceptan el futuro con conformismo a sabiendas de que su relación jamás volverá a recuperar su intensidad.
The Draughtsman's Contract (1982)
La historia se desarrolla en el campo Inglés en 1694. El personaje destacado es un dibujante llamado Mr. Neville, quien contratado por una mujer, llamada señora Herbert, realiza doce dibujos de su casa desde diferentes ángulos. Él está de acuerdo, siempre y cuando se puede tener la mujer para su placer íntimo.
"Lo que tenemos aquí es un rompecabezas tentadora, envuelto en el erotismo y presentado con la máxima elegancia. Nunca he visto una película que se le parezca. La materia prima de esta historia podrían haberse formado en un jugueteo indecente como TOM JONES. Pero la director ha hecho una elección astuta. En vez de mostrarnos todo y explicando todo, nos da las pistas y nos permite sacar nuestras propias conclusiones. Su película es como un crucigrama para los sentidos ". - Roger Ebert
"De Greenaway siglo 17 es un lugar de honestidad procaz, así como misterio insondable, y se deleita en la palabra hablada Por supuesto, esto no es el género, el cine de bajo presupuesto, y algunas personas se irrita por su singlemindedness;. Pero para otros es la prueba de que el ingenio a veces puede llevar a una película a lugares efectos especiales simplemente no llegan ". - David Pirie, Time Out
"La película es educado e idiosincrásica, los discursos son tan arco y twitty parecen ser más agudo que un silbato para perros, y la gente hablando son papagayos en pelucas forma tan geométricamente como los arbustos en Marienbad". - Pauline Kael
"Mejor disfrutado como una pieza astuta de doble farol, un rompecabezas sin solución, una broma de vanguardia en el espíritu de Dada y los surrealistas". - Observador
"Sorprendentemente elegante ... extraordinariamente detallado .... El contrato del dibujante mente bendingly rico es divertido." - Vicente Canby, The New York Times
"Lo que tenemos aquí es un rompecabezas tentadora, envuelto en el erotismo y presentado con la máxima elegancia. Nunca he visto una película que se le parezca. La materia prima de esta historia podrían haberse formado en un jugueteo indecente como TOM JONES. Pero la director ha hecho una elección astuta. En vez de mostrarnos todo y explicando todo, nos da las pistas y nos permite sacar nuestras propias conclusiones. Su película es como un crucigrama para los sentidos ". - Roger Ebert
"De Greenaway siglo 17 es un lugar de honestidad procaz, así como misterio insondable, y se deleita en la palabra hablada Por supuesto, esto no es el género, el cine de bajo presupuesto, y algunas personas se irrita por su singlemindedness;. Pero para otros es la prueba de que el ingenio a veces puede llevar a una película a lugares efectos especiales simplemente no llegan ". - David Pirie, Time Out
"La película es educado e idiosincrásica, los discursos son tan arco y twitty parecen ser más agudo que un silbato para perros, y la gente hablando son papagayos en pelucas forma tan geométricamente como los arbustos en Marienbad". - Pauline Kael
"Mejor disfrutado como una pieza astuta de doble farol, un rompecabezas sin solución, una broma de vanguardia en el espíritu de Dada y los surrealistas". - Observador
"Sorprendentemente elegante ... extraordinariamente detallado .... El contrato del dibujante mente bendingly rico es divertido." - Vicente Canby, The New York Times
the belly of an architech
Un arquitecto estadounidense llamado Stourley Kracklite (Brian Dennehy) visita Roma junto a Louise, su esposa, para participar en la organización de una exposición dedicada al arquitecto francés del siglo XVIII Étienne-Louis Boullée. Sin motivo aparente, comienza a sentir fuertes dolores en el vientre. Al mismo tiempo, un joven comienza a cortejar a Louise. Ante la desazón que le produce su situación laboral y personal, comienza a adentrarse en un camino de neurosis e introspección personal. Entre su aislamiento (está confinado en una atmósfera greco-romana) y sus accesos de delirio y de lucidez, Kracklite se verá cada vez más atrapado en una espiral de autodestrucción que lo llevará a un agónico final.
the grand budapest hotel
operación ogro
En una casa del País Vasco, un hombre y una mujer recuerdan el pasado. En su juventud, él y otros tres hombres formaban un comando cuya misión era secuestrar al almirante Carrero Blanco para intercambiarlo por presos políticos. Sin embargo, cuando estaban a punto de cumplir su objetivo, Carrero fue nombrado Presidente del Gobierno y, entonces, los planes cambiaron. Aunque el hombre se está muriendo, sigue siendo partidario de la lucha armada. Mientras tanto, sus antiguos correligionarios creen que ha llegado la hora de seguir los cauces democrático. Importante escenificación del atentado mediante maquetas realistas.
tuno negro
El tuno negro es una leyenda urbana que indica la existencia de un tuno que comete asesinatos en serie y que ataca a estudiantes universitarios. Enmarcada en el ambiente universitario y de colegio mayor dentro de una ciudad plenamente estudiantil como es Salamanca. Nuestra historia propone la unión de la tuna, elemento arcaico por excelencia y que sobrevive desde el siglo XIII, y la mezcla con algo tan moderno y símbolo del futuro como es Internet. Se infiltra en la Tuna de Medicina de la Universidad de Salamanca y elige sus víctimas a través de internet. La premisa del asesino es la ignorancia mata. Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice, el "Tuno Negro" comete sus crímenes con una pauta simple: morirán aquellos que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso, ni tendrá la opción de repetir... ¿Será la solución definitiva a los problemas de masificación de la Universidad española? "Este año tienes un motivo más importante para aprobar"
el orfanato
El orfanato es una producción cinematográfica española del año 2007. Ha tenido varias modificaciones y se ha vuelto a hacer en diferentes versiones, como la estadounidense o japonesa. Se trata de la ópera prima del director Juan Antonio Bayona , presentada por Guillermo del Toro y protagonizada por Belén Rueda. La película nace a partir del cortometraje del guionista, Sergio G. Sánchez, Sé que estás ahí sobre la temática de los amigos invisibles. El guion quedó apartado hasta que fue elegido para el laboratorio del Sundance Film Institute, conseguiría un director, Juan Antonio Bayona, y
La película tuvo éxito, tanto en taquilla como en crítica, en España y estuvo nominada a 61 premios internacionsles de los que ganó 31, entre los que destacan 7 premios Goya. Además, la empresa New Line Cinema compró los derechos para hacer un remake americano que estará también producido por Del Toro.
La película tuvo éxito, tanto en taquilla como en crítica, en España y estuvo nominada a 61 premios internacionsles de los que ganó 31, entre los que destacan 7 premios Goya. Además, la empresa New Line Cinema compró los derechos para hacer un remake americano que estará también producido por Del Toro.
caótica ana
Caótica Ana es la historia-viaje de Ana durante cuatro años de su vida, de los 18 a los 22. Una cuenta atrás desde el 10 hasta el 0, como en la hipnosis, a través de la cual Ana comprueba que no vive sola, que su existencia parece la continuación de otras vidas de mujeres jóvenes que murieron de forma trágica, todas ellas a los 22 años, y que habitan en el abismo de su memoria inconsciente. Ese es su caos. En palabras del director y guionista del filme: “Ana es la princesa y el monstruo de esta fábula feminista contra la tiranía del hombre blanco”. Rodada entre Nueva York, Arizona, Madrid, Islas Canarias y Baleares. aótica Ana se convirtió en la vía de escape del director, Julio Medem para superar su depresión tras la muerte de su hermana Ana, fallecida en el 28 de abril de 2001 en un accidente de tráfico cuando acudía a la inauguración de su propia exposición en Cariñena (Zaragoza), y que dejó como herencia "sus cuadros pintados a cera, llenos de alegría y color".