foto de cabecera
EL GRITO DE MUNCH: Tormento e inconformismo
Cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”.
Se trata del reflejo de la angustia personal del pintor, también esconde una crítica a la nueva forma de organización socio-económica de la época. En definitiva Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
Cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”.
Se trata del reflejo de la angustia personal del pintor, también esconde una crítica a la nueva forma de organización socio-económica de la época. En definitiva Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
SINOPSIS Y REFLEXIÓN SOBRE EL CONTENIDO TEÓRICO SEMANAL
Contenido teórico marcado por la exposición del manifiesto de las vanguaridas, sus principales protagonistas, contexto social geográfico y cultural en el que se ha desarrollado. Identificación y valoración del movimiento anterior a ellas. En particular se ha expuesto el movimiento surrealista en canarias de la mano de a Gaceta de Arte dirigida por Eduardo Westherdall.
Theoretical content marked by exposure of the manifesto of the vanguaridas, its main protagonists, geographical social and cultural context in which it has developed. Identification and assessment before they move. In particular it discussed the surrealist movement in Canary hand to Gaceta de Arte directed by Eduardo Westherdall.
Theoretical content marked by exposure of the manifesto of the vanguaridas, its main protagonists, geographical social and cultural context in which it has developed. Identification and assessment before they move. In particular it discussed the surrealist movement in Canary hand to Gaceta de Arte directed by Eduardo Westherdall.
Nessun dorma - Que nadie duerma
He aquí el relato y el significado de Nessun Dorma.
Pueblo de Pekín! Esta es la ley:
Turandot, la Pura, será la esposa de aquel que, siendo de sangre real, resuelva los tres enigmas que ella le propondrá. Pero el que afronte la prueba y resulte vencido ofrecerá al hacha su cabeza soberbia.
Así reza el edicto impuesto por la bella pero fría y sanguinaria princesa Turandot y que ha llevado a la muerte a decenas de aspirantes subyugados por su inigualable belleza.
El príncipe Calaf se ha sometido a la difícil prueba y ha logrado resolver los tres misteriosos enigmas de Turandot. ¿Cuáles son?:
-¿Qué es lo que nace cada noche, muere cada amancer para renacer en el corazón?
La esperanza.
-¿Qué brilla, es impetú y ardor como una llama, pero no es fuego? La sangre.
-¿Qué es como el hielo, pero te hace arder? El hielo que enciende tu llama: Eres tú Turandot.
Ahora le toca reclamar la mano de la fría princesa, quien ha quedado a merced del hasta entonces desconocido vencedor. Pero la derrotada princesa rehúsa a cumplir con el juramento sagrado que la obliga a ser esposa del hombre que adivine sus enigmas, por lo que ruega a su padre, el emperador de China, que no la entregue al extranjero.
El desconocido príncipe, viendo temblar de miedo a la princesa por primera vez, le propone un enigma: “Mi nombre no sabes, dime mi nombre... dime mi nombre y al alba moriré”.
Nessun dorma (Nadie duerma) ¡Nadie duerma! Los heraldos de la princesa Turandot esparcen el decreto por todo Pekín. Nadie dormirá esa noche hasta que se encuentre a alguien que conozca el nombre del extranjero.
Mientras Turandot y sus guardias recorren la ciudad atemorizando a la gente en su afán de descubrir el nombre de Calaf, éste, posado en una escalera, contempla las estrellas y, seguro de su victoria, espera con ansia la llegada de la mañana. Llegado el alba sin que Turandot haya adivinado el nombre, Calaf le declara su amor, pero la princesa le ruega que parta, pero él rehúsa y le confiesa su nombre; Turandot, conmovida por su sinceridad, proclama que el verdadero nombre del desconocido es: Amor.
Turandot “Nessun dorma” Puccini
¡Que nadie duerma!
¡Que nadie duerma!
¡Tú también, princesa,
en tu fría estancia
miras las estrellas que tiemblan
de amor y de esperanza!
¡Mas mi misterio
se encierra en mí,
mi nombre nadie sabrá!
¡No, no, sobre tu boca lo diré,
cuando resplandezca la luz!
¡Mi beso deshará
el silencio que te hace mía!
VOCES FEMENINAS
¡Su nombre nadie sabrá...
y nosotros, ay, debemos morir! ¡Morir!
CALAF
¡Noche, disípate!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Al alba venceré!¡Venceré, venceré!
He aquí el relato y el significado de Nessun Dorma.
Pueblo de Pekín! Esta es la ley:
Turandot, la Pura, será la esposa de aquel que, siendo de sangre real, resuelva los tres enigmas que ella le propondrá. Pero el que afronte la prueba y resulte vencido ofrecerá al hacha su cabeza soberbia.
Así reza el edicto impuesto por la bella pero fría y sanguinaria princesa Turandot y que ha llevado a la muerte a decenas de aspirantes subyugados por su inigualable belleza.
El príncipe Calaf se ha sometido a la difícil prueba y ha logrado resolver los tres misteriosos enigmas de Turandot. ¿Cuáles son?:
-¿Qué es lo que nace cada noche, muere cada amancer para renacer en el corazón?
La esperanza.
-¿Qué brilla, es impetú y ardor como una llama, pero no es fuego? La sangre.
-¿Qué es como el hielo, pero te hace arder? El hielo que enciende tu llama: Eres tú Turandot.
Ahora le toca reclamar la mano de la fría princesa, quien ha quedado a merced del hasta entonces desconocido vencedor. Pero la derrotada princesa rehúsa a cumplir con el juramento sagrado que la obliga a ser esposa del hombre que adivine sus enigmas, por lo que ruega a su padre, el emperador de China, que no la entregue al extranjero.
El desconocido príncipe, viendo temblar de miedo a la princesa por primera vez, le propone un enigma: “Mi nombre no sabes, dime mi nombre... dime mi nombre y al alba moriré”.
Nessun dorma (Nadie duerma) ¡Nadie duerma! Los heraldos de la princesa Turandot esparcen el decreto por todo Pekín. Nadie dormirá esa noche hasta que se encuentre a alguien que conozca el nombre del extranjero.
Mientras Turandot y sus guardias recorren la ciudad atemorizando a la gente en su afán de descubrir el nombre de Calaf, éste, posado en una escalera, contempla las estrellas y, seguro de su victoria, espera con ansia la llegada de la mañana. Llegado el alba sin que Turandot haya adivinado el nombre, Calaf le declara su amor, pero la princesa le ruega que parta, pero él rehúsa y le confiesa su nombre; Turandot, conmovida por su sinceridad, proclama que el verdadero nombre del desconocido es: Amor.
Turandot “Nessun dorma” Puccini
¡Que nadie duerma!
¡Que nadie duerma!
¡Tú también, princesa,
en tu fría estancia
miras las estrellas que tiemblan
de amor y de esperanza!
¡Mas mi misterio
se encierra en mí,
mi nombre nadie sabrá!
¡No, no, sobre tu boca lo diré,
cuando resplandezca la luz!
¡Mi beso deshará
el silencio que te hace mía!
VOCES FEMENINAS
¡Su nombre nadie sabrá...
y nosotros, ay, debemos morir! ¡Morir!
CALAF
¡Noche, disípate!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Estrellas, ocultaos!
¡Al alba venceré!¡Venceré, venceré!
manifiestos de las vanguardias
Manifiesto: Según la acepción 3 del Real Diccionario de la Lengua española, un manifiesto es: un escrito en que se hace pública declaración de doctrinas o propósitos de interés general.
Contexto Social, Artístico, Político y Temporal
Las vanguardias históricas, se sitúan a principio del Siglo XX en un mundo convulso y cambiante, dominado por las guerras y en una ebullición política. "La belle Époque" vive sus mejores momentos en Europa. Por primera vez surge el ocio y paseo y consecuentemente una burguesía que lo demanda.
Contexto Social, Artístico, Político y Temporal
Las vanguardias históricas, se sitúan a principio del Siglo XX en un mundo convulso y cambiante, dominado por las guerras y en una ebullición política. "La belle Époque" vive sus mejores momentos en Europa. Por primera vez surge el ocio y paseo y consecuentemente una burguesía que lo demanda.
Mujeres caminando en la Playa, Joaquín Soroya
(Ocio de la Clase alta)
(Ocio de la Clase alta)
La guerra, es expuesta gráficamente, por primera vez en la historia, mediante la fotografía conjuntamente a un notable desarrollo de la industria armamentística y la industria automovilística (1910-1920) que exponen públicamente el desarrollo industrial que impera especialmente en norte américa.
El Tratado de Versalles (1919) fue un tratado de paz firmado por las potencias europeas que puso fin oficialmente a la Primera Guerra Mundial, después de seis meses de negociación, en la ciudad de Paris. El Tratado de Versalles fue firmado como continuacion al armisticio de noviembre de 1918, en Compiègne, que había puesto fin a los enfrentamientos. El principal punto del Tratado de Versalles determinaba que Alemania aceptaría todas las responsabilidades por causar la Gran Guerra (así se conocía a la Primera Guerra Mundial antes de que aconteciera la Segunda Guerra Mundial) y que sobre los términos de los artículos 231-247, que fijaba indemnización de guerra para las potencias vencedoras "La Triple entene".
Tras la segunda guerra mundial, la hegemonía nazi en Europa, el comunismo ruso y una emergente fuerza sindical contextualiza la europa de postguerra.
El desarrollo ferroviario y focos culturales lejos de Europa como América del norte con un desarrollo exponencial , enmarcan la necesidad de romper. Un sentimiento o movimiento de ruptura estrechamente vinculado al marco Social.
Tras la segunda guerra mundial, la hegemonía nazi en Europa, el comunismo ruso y una emergente fuerza sindical contextualiza la europa de postguerra.
El desarrollo ferroviario y focos culturales lejos de Europa como América del norte con un desarrollo exponencial , enmarcan la necesidad de romper. Un sentimiento o movimiento de ruptura estrechamente vinculado al marco Social.
Estación de San Lázaro,Monet (París). Dibuja un París en decadencia.
Es así que las vanguardias plantean una ruptura de ideales estéticos hasta el momento de Impresionista y post impresionistas con un ideal estético centrado en Asia y con Paul Gauguin como máximo exponente al que se también se le unen Van Gogh y Cézanne.
Jugadores de Cartas. Cézanne
Para buena parte de los pintores de la vanguardia, especialmente Matisse y Picasso, Cézanne sería el padre de la modernidad. Este último escribió: "Cézanne era mi sólo y único maestro. No creáis que me limitara a mirar sus cuadros ... Pasé años estudiándolos ... Cézanne era como un padre para todos nosotros".
La reivindicación científica es protagonizada. Georges Seurat. Es considerado el fundador del puntillismo. en su obra el Hombre pintando su barco, 1883., empieza a investigar en los valores de las teorías científicas.
Tormento e inconformismo es el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”. El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita. Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese también esconder una crítica a la nueva forma de organización socio-económica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
La reivindicación científica es protagonizada. Georges Seurat. Es considerado el fundador del puntillismo. en su obra el Hombre pintando su barco, 1883., empieza a investigar en los valores de las teorías científicas.
Tormento e inconformismo es el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”. El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita. Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese también esconder una crítica a la nueva forma de organización socio-económica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
Vanguardia.
El Diccionario de la Real Academia de la Lengua, en su segunda acepción establece que vanguarida es: Avanzada de un grupo o movimiento ideológico, político, literario, artístico, etc. Es también:
- Una ruptura con establecido, una ruptura de lo real (irrealidad), pues la fotografía o literatura pueden aportar lo lírico y absurdo de las formas perfectas.
- Reivindicación de la Luz y color del Espacio.
- Ruptura con los aspectos materiales, los cuerpos no deben ser perfectos.
- La representación subjetiva. La manifestación artística está relacionada con la subjetividad de quien la crea.
futurismo
Movimiento literario y artístico surgido en Italia en el primer decenio del siglo XX. Nació con un manifiesto, y varió y fijó sus propios enunciados en una serie de manifiestos. El 20 de febrero de 1909 F.T. Marinetti publicó en «Le Figaro» de París un primer Manifiesto en el que proclamó como formas de expresión del futurismo la agresividad, la temeridad, el salto mortal, la bofetada, el puñetazo.
En 1912, el mismo Marinetti, con el Manifiesto técnico de la literatura futurista, apuntó como medio específico de expresión literaria las «palabras en libertad», que eran capaces de traducir, por analogía y sugestión, los mecanismos psíquicos y el frenesí de la vida moderna. Esto comportaba la abolición de la sintaxis, de la puntuación, de las partes calificativas del discurso (adjetivos, adverbios). Las nuevas teorías se aplicaron también a la pintura (1910: Primer y segundo manifiesto de la pintura futurista, firmados por Balla, Boccioni, Carrá y Russolo), a la música (1910: Manifiesto de los músicos futuristas, firmado por Pratella), a la escultura (1912: Manifiesto de Boccioni, en el que se afirma que la escultura debe convertir el infinito plástico aparente y el infinito plástico interior),
Es un movimiento de Humanismo dinámico con un ideal bélico y epicentro en Milán.
En 1912, el mismo Marinetti, con el Manifiesto técnico de la literatura futurista, apuntó como medio específico de expresión literaria las «palabras en libertad», que eran capaces de traducir, por analogía y sugestión, los mecanismos psíquicos y el frenesí de la vida moderna. Esto comportaba la abolición de la sintaxis, de la puntuación, de las partes calificativas del discurso (adjetivos, adverbios). Las nuevas teorías se aplicaron también a la pintura (1910: Primer y segundo manifiesto de la pintura futurista, firmados por Balla, Boccioni, Carrá y Russolo), a la música (1910: Manifiesto de los músicos futuristas, firmado por Pratella), a la escultura (1912: Manifiesto de Boccioni, en el que se afirma que la escultura debe convertir el infinito plástico aparente y el infinito plástico interior),
Es un movimiento de Humanismo dinámico con un ideal bélico y epicentro en Milán.
Elogio de la Guerra. por parte de Marinetti
cubismo
" Después del carnaval impresionista, se establace la cuaresma de la forma en el espacio"
El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Cabe destacar que, más allá de la pintura, el cubismo llegó a la literatura. Los caligramas combinan la poesía con los dibujos, al organizar el texto de una manera particular. El poeta francés Guillaume Apollinaire (Quien firmó el manifiesto) fué uno de los principales creadores de caligrama.
Entre otros nombres fundamentales del movimiento podemos citar a Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes y Fernand Leger.
PUNTO DE PARTIDA DEL CUBISMO
Montaña de Santa Victórica. Paul Cézanne
El tema de la montaña suministró a Cézanne la oportunidad de hacer visibles las características de su pintura, y que él mismo expone en una carta escrita a Paul Bernard en 1904: "tratar la naturaleza mediante el cilindro, la esfera y el cono, en perspectiva, de tal manera que cada costado de un objeto o un plano se dirija hacia un punto central. La naturaleza para nosotros, hombres, se presenta más en profundidad que en superficie". Es, sin duda, esta concepción de la imagen, la que más participa del gusto cubista, aunque los cuadros de Cézanne permanezcan alejados de lo que luego será el movimiento cubista.
En conclusión, podemos decir que Cézanne construye con el color los volúmenes, las masas, la luz, la perspectiva y, en definitiva, el espacio. No es el espacio el que estructura, sino el color a través de pinceladas amplias y prismáticas. Todas estas novedades, junto con el cubismo, llevarán a la destrucción completa de la perspectiva renacentista.
RUPTURA RADICAL CON EL IDEAL DE BELLEZA Y DESMANTELA EL IDEAL CLÁSICO (PORPORCIONES, ORDEN, IDEAL SUPREMO, PERFECCIÓN DE LA FORMA Y HUIR REALIDAD SENSIBLE
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Cabe destacar que, más allá de la pintura, el cubismo llegó a la literatura. Los caligramas combinan la poesía con los dibujos, al organizar el texto de una manera particular. El poeta francés Guillaume Apollinaire (Quien firmó el manifiesto) fué uno de los principales creadores de caligrama.
Entre otros nombres fundamentales del movimiento podemos citar a Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes y Fernand Leger.
PUNTO DE PARTIDA DEL CUBISMO
Montaña de Santa Victórica. Paul Cézanne
El tema de la montaña suministró a Cézanne la oportunidad de hacer visibles las características de su pintura, y que él mismo expone en una carta escrita a Paul Bernard en 1904: "tratar la naturaleza mediante el cilindro, la esfera y el cono, en perspectiva, de tal manera que cada costado de un objeto o un plano se dirija hacia un punto central. La naturaleza para nosotros, hombres, se presenta más en profundidad que en superficie". Es, sin duda, esta concepción de la imagen, la que más participa del gusto cubista, aunque los cuadros de Cézanne permanezcan alejados de lo que luego será el movimiento cubista.
En conclusión, podemos decir que Cézanne construye con el color los volúmenes, las masas, la luz, la perspectiva y, en definitiva, el espacio. No es el espacio el que estructura, sino el color a través de pinceladas amplias y prismáticas. Todas estas novedades, junto con el cubismo, llevarán a la destrucción completa de la perspectiva renacentista.
RUPTURA RADICAL CON EL IDEAL DE BELLEZA Y DESMANTELA EL IDEAL CLÁSICO (PORPORCIONES, ORDEN, IDEAL SUPREMO, PERFECCIÓN DE LA FORMA Y HUIR REALIDAD SENSIBLE
Montaña de Santa Victória.
Referentes Cubistas
Arte africano y Arte Negro: Manufacturas de tribus africanas. Picasso
Picasso, niega lo clásico y reivindica lo nuevo.
Picasso, niega lo clásico y reivindica lo nuevo.
Las señoritas de Avignon
Las Señoritas supusieron una verdadera conmoción en los pequeños círculos artísticos que la conocieron, convirtiéndose en un verdadero símbolo del arte moderno.
Con ellas Picasso inició el camino del cubismo, reduciendo la realidad a formas geométricas, tal y como ya había empezado a hacer (a finales del XIX) Cezanne. Junto a él, Picasso bebió de otros artes considerados bárbaros (arte africano e íbero o incluso el egipcio) que buscaban la simplicidad de las formas, no su transposición de la realidad. |
Neoplasticismo, d´still
Neoplasticismo es el término con el que Piet Mondrian (1872-1944) denomina en 1917 el estilo propio del grupo De Stijl (“El Estilo”), que era una alianza entre artistas, arquitectos y diseñadores alentados por el arquitecto holandés Theo van Doesburg (1883-1931).
A pesar de su neutralidad, los Países Bajos sufren también las nefastas consecuencias de la 1ª Guerra Mundial y la misión del grupo De Stijl es la de crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía. De entre los miembros fundadores destaca el arquitecto y diseñador húngaro Vilmos Huszár (1894-1960) y los arquitectos J.J.P.Oud (1890-1963), Robert van’t Hoff (1887-1979), Jan Wils (1891-1972) Thomas Gerrit Rietveld (1888-1964) y Cor Van Eesteren (1897-).
Los neoplasticistas creen que el cubismo no ha ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción y que el expresionismo resulta demasiado subjetivo. En su opinión, la guerra ha desacreditado el culto a la personalidad y desean sustituirlo por una cultura más universal y ética. Los medios para hacerlo son la purificación o reducción del arte a sus elementos básicos: línea, color y forma.
Los conceptos fundamentales del movimiento son elaborados por Mondrian entre 1913 y 1917, mientras que su cuerpo teórico y su divulgación corresponden a Theo Van Doesburg. El movimiento se propone encontrar un sistema para construir un nuevo mundo de formas coherentes y organizadas. “El estilo”, abstracto y reductor, se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores. Este proceso no sirve sólo para pintar cuadros o realizar esculturas abstractas sino también para los espacios de la arquitectura.
El método compositivo se fundamenta en alcanzar el equilibrio de los medios plásticos mediante una renuncia explícita a la simetría clásica y mediante el empleo de los contrastes y las disonancias de color:
“La multiplicidad de los contrastes produce enormes tensiones que, suprimiéndose recíprocamente, crean un equilibrio y un descanso. Este equilibrio de las tensiones forma la quintaesencia de la nueva unidad arquitectónica” (Zevi, 1960).
Otro aspecto que caracteriza al movimiento artístico es su sentido universalista y su deseo de unir el arte con la vida. Theo van Doesburg habla de una búsqueda de la unidad plástica: “Exigimos la construcción de nuestro ambiente según leyes creadoras, derivadas de un principio fijo. Estas leyes, de acuerdo con las económicas, matemáticas, técnicas higiénicas etc., llevan a una nueva unidad plástica” (T.V.Doesburg en: Benévolo, 1974). P. Móndrian asegura de forma más explícita:
“En el futuro, la realización de la expresión figurativa pura en la realidad tangible de nuestro ambiente sustituirá a la obra de arte, mas para alcanzar esto es necesaria una orientación hacia una representación universal y un alejamiento de la presión de la naturaleza. Entonces no necesitaremos ya ni cuadros ni estatuas, puesto que viviremos dentro de un arte realizado. El arte desaparecerá de la vida en la medida en que la vida misma ganará en equilibrio” (Mondrian, 1961).
Detrás de la mayor parte de las convicciones de De Stijl descansa una actitud espiritual o incluso mística influenciada por el libro de V. Kandinsky “Sobre lo espiritual en el arte” (1912). Estos planteamientos trascendentes y su interés por una abstracción plástica e intelectual aleja a los neoplasticistas de posiciones sociales comprometidas. Son significativas las palabras de J.J.P. Oud (1890-1963):
“(…) De allí no podía surgir una sana, universal y amplia arquitectura social, es decir, de una estética tan abstracta. Sin embargo el Neoplasticismo nos ha dado, sin duda alguna, valores arquitectónicos que no quisiera perder. Mi situación es similar a la de los antiguos alquimistas que, buscando el oro, no encontraron el oro sino algún otro material precioso” (Benevolo, 1974).
http://juaserl1.blogs.upv.es/juanserralluch/cuando-color-en-la-historia-de-la-arquitectura/color-en-la-arquitectura-de-las-vanguardias/neoplasticismo-thomas-guerrit-rietveld/
Reivindican la ausencia de figuración, el arte no tiene que ser figurativo. " El elemento interior determina la obra de Arte"
Según Pier Mondrian, lo simple lleva a la pefección absoluta, Colores primarios y figuras geométricas básicas.
"Mondrian no representa un paisaje concreto, se representa a si mismo"
A pesar de su neutralidad, los Países Bajos sufren también las nefastas consecuencias de la 1ª Guerra Mundial y la misión del grupo De Stijl es la de crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía. De entre los miembros fundadores destaca el arquitecto y diseñador húngaro Vilmos Huszár (1894-1960) y los arquitectos J.J.P.Oud (1890-1963), Robert van’t Hoff (1887-1979), Jan Wils (1891-1972) Thomas Gerrit Rietveld (1888-1964) y Cor Van Eesteren (1897-).
Los neoplasticistas creen que el cubismo no ha ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción y que el expresionismo resulta demasiado subjetivo. En su opinión, la guerra ha desacreditado el culto a la personalidad y desean sustituirlo por una cultura más universal y ética. Los medios para hacerlo son la purificación o reducción del arte a sus elementos básicos: línea, color y forma.
Los conceptos fundamentales del movimiento son elaborados por Mondrian entre 1913 y 1917, mientras que su cuerpo teórico y su divulgación corresponden a Theo Van Doesburg. El movimiento se propone encontrar un sistema para construir un nuevo mundo de formas coherentes y organizadas. “El estilo”, abstracto y reductor, se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores. Este proceso no sirve sólo para pintar cuadros o realizar esculturas abstractas sino también para los espacios de la arquitectura.
El método compositivo se fundamenta en alcanzar el equilibrio de los medios plásticos mediante una renuncia explícita a la simetría clásica y mediante el empleo de los contrastes y las disonancias de color:
“La multiplicidad de los contrastes produce enormes tensiones que, suprimiéndose recíprocamente, crean un equilibrio y un descanso. Este equilibrio de las tensiones forma la quintaesencia de la nueva unidad arquitectónica” (Zevi, 1960).
Otro aspecto que caracteriza al movimiento artístico es su sentido universalista y su deseo de unir el arte con la vida. Theo van Doesburg habla de una búsqueda de la unidad plástica: “Exigimos la construcción de nuestro ambiente según leyes creadoras, derivadas de un principio fijo. Estas leyes, de acuerdo con las económicas, matemáticas, técnicas higiénicas etc., llevan a una nueva unidad plástica” (T.V.Doesburg en: Benévolo, 1974). P. Móndrian asegura de forma más explícita:
“En el futuro, la realización de la expresión figurativa pura en la realidad tangible de nuestro ambiente sustituirá a la obra de arte, mas para alcanzar esto es necesaria una orientación hacia una representación universal y un alejamiento de la presión de la naturaleza. Entonces no necesitaremos ya ni cuadros ni estatuas, puesto que viviremos dentro de un arte realizado. El arte desaparecerá de la vida en la medida en que la vida misma ganará en equilibrio” (Mondrian, 1961).
Detrás de la mayor parte de las convicciones de De Stijl descansa una actitud espiritual o incluso mística influenciada por el libro de V. Kandinsky “Sobre lo espiritual en el arte” (1912). Estos planteamientos trascendentes y su interés por una abstracción plástica e intelectual aleja a los neoplasticistas de posiciones sociales comprometidas. Son significativas las palabras de J.J.P. Oud (1890-1963):
“(…) De allí no podía surgir una sana, universal y amplia arquitectura social, es decir, de una estética tan abstracta. Sin embargo el Neoplasticismo nos ha dado, sin duda alguna, valores arquitectónicos que no quisiera perder. Mi situación es similar a la de los antiguos alquimistas que, buscando el oro, no encontraron el oro sino algún otro material precioso” (Benevolo, 1974).
http://juaserl1.blogs.upv.es/juanserralluch/cuando-color-en-la-historia-de-la-arquitectura/color-en-la-arquitectura-de-las-vanguardias/neoplasticismo-thomas-guerrit-rietveld/
Reivindican la ausencia de figuración, el arte no tiene que ser figurativo. " El elemento interior determina la obra de Arte"
Según Pier Mondrian, lo simple lleva a la pefección absoluta, Colores primarios y figuras geométricas básicas.
"Mondrian no representa un paisaje concreto, se representa a si mismo"
dadaismo
Un movimiento que se desarrolla entre 1926 y 1934. Surge en unas circunstancias oníricas dramáticas: estallido de la 1ª Guerra Mundial. Esa situación va a provocar en los artistas un sentimiento de rechazo y rebeldía frente a las normas establecidas. Hay un sentimiento de desesperación, se produce una crisis del espíritu de estos artistas.
Los dadaistas que en un principio habían soñado con crear un arte nuevo, se encuentran con situación paradójica: artistas con los que habían colaborado antes de la guerra: de la noche a la mañana son enemigos los unos de los otros. Esa situación causa un enorme choque, y ellos manifiestan un sentimiento de rechazo. No solo hacia la guerra (que no todos los hacen, recordamos los futuristas) sino todo el orden cultura establecido. Van a ser unos auténticos rebeldes. Postura extravagante, de provocación, de negación, de destrucción frente a todo lo establecido.
Se consideró como una mera farsa, una burla que lo único que quería era llamar la atención, cuando lo que realmente querían (y lograron) es proponer una reflexión sobre el concepto de arte, de estética, de belleza. Ellos se preguntan: ¿quién decide que esto es arte? ¿por qué esto es bello y esto no, y quién lo dice? Pregunta crucial para el desarrollo del arte contemporáneo. Llevaron al mundo a una reflexión y el arte no va a ser el mismo después de ellos. Pero si que es cierto que esa reflexión la van a plantear desde la burla, desde la sátira, desde la provocación absoluta. Se produce a la vez en focos muy distintos: Barcelona, Nueva York, Paris, Colonia, Berlín, Hannover,… pero el foco principal va a estar en Zurich (Suiza) porque se había declarado un país neutral durante la 1º Guerra Mundial y allí acuden muchos artistas que intentan huir del conflicto bélico.
Allí hay un cabaret, que se convierte en lugar de reunión: Cabaret Voltaire, Zurich. Lecturas poéticas que iban ilustradas de gritos de sollozos, de silbidos… lecturas con trajes que elaboraban ellos mismos, músicas con ruidos,… En esas lecturas: palabras absurdas sin significado y a varias voces, intentando significar como el hombre tiene que enfrentarse y luchar contra un mundo amenazador y de destrucción.
Es en este cabaret donde surge el dadaísmo: Dada: no significa nada, fue elegido al azar elegido entre las palabras de un diccionario. También se ha dicho que es una doble afirmación en rumano. O un caballo de juguete. Pero ellos dijeron que no significaba nada. Ese intento por demostrar que fue elegido de manera casual alude a uno de sus principios:
Retorno a la expresión interna a la manera de Kandinsky. Renuncia a cualquier programa establecido, defienden un arte totalmente revolucionario, un arte que rompe fronteras. Que cuestiona la pintura de caballete, que produce obras de todo tipo. Piensan que si la lógica y la racionalidad han llevado al hombre a la guerra, solo queda la irracionalidad, la creatividad. Se basan en tres principios:
Los dadaistas que en un principio habían soñado con crear un arte nuevo, se encuentran con situación paradójica: artistas con los que habían colaborado antes de la guerra: de la noche a la mañana son enemigos los unos de los otros. Esa situación causa un enorme choque, y ellos manifiestan un sentimiento de rechazo. No solo hacia la guerra (que no todos los hacen, recordamos los futuristas) sino todo el orden cultura establecido. Van a ser unos auténticos rebeldes. Postura extravagante, de provocación, de negación, de destrucción frente a todo lo establecido.
Se consideró como una mera farsa, una burla que lo único que quería era llamar la atención, cuando lo que realmente querían (y lograron) es proponer una reflexión sobre el concepto de arte, de estética, de belleza. Ellos se preguntan: ¿quién decide que esto es arte? ¿por qué esto es bello y esto no, y quién lo dice? Pregunta crucial para el desarrollo del arte contemporáneo. Llevaron al mundo a una reflexión y el arte no va a ser el mismo después de ellos. Pero si que es cierto que esa reflexión la van a plantear desde la burla, desde la sátira, desde la provocación absoluta. Se produce a la vez en focos muy distintos: Barcelona, Nueva York, Paris, Colonia, Berlín, Hannover,… pero el foco principal va a estar en Zurich (Suiza) porque se había declarado un país neutral durante la 1º Guerra Mundial y allí acuden muchos artistas que intentan huir del conflicto bélico.
Allí hay un cabaret, que se convierte en lugar de reunión: Cabaret Voltaire, Zurich. Lecturas poéticas que iban ilustradas de gritos de sollozos, de silbidos… lecturas con trajes que elaboraban ellos mismos, músicas con ruidos,… En esas lecturas: palabras absurdas sin significado y a varias voces, intentando significar como el hombre tiene que enfrentarse y luchar contra un mundo amenazador y de destrucción.
Es en este cabaret donde surge el dadaísmo: Dada: no significa nada, fue elegido al azar elegido entre las palabras de un diccionario. También se ha dicho que es una doble afirmación en rumano. O un caballo de juguete. Pero ellos dijeron que no significaba nada. Ese intento por demostrar que fue elegido de manera casual alude a uno de sus principios:
- el azar es algo fundamental.
- No se someten a ninguna normativa de ningún tipo
- Defienden libertad absoluta de creación
Retorno a la expresión interna a la manera de Kandinsky. Renuncia a cualquier programa establecido, defienden un arte totalmente revolucionario, un arte que rompe fronteras. Que cuestiona la pintura de caballete, que produce obras de todo tipo. Piensan que si la lógica y la racionalidad han llevado al hombre a la guerra, solo queda la irracionalidad, la creatividad. Se basan en tres principios:
- Ruidismo: ruido empleado como fuerza destructora
- Simultaneidad de distintas visiones
- Azar. Principio rector de muchas de las creaciones de estos artistas.
Se potencia, lo abusurdo, irónico y lo anecdótico. Es un movimiento que aproxima el arte y la Literatura (Caligramas)
SURREALISMO
El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Origen del términoLos términos surrealismo y surrealista proceden de Guillaume Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que consideró el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.Precedentes. Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos. Sin embargo su precedente más inmediato es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos.
Primeros pasos
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Origen del términoLos términos surrealismo y surrealista proceden de Guillaume Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que consideró el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.Precedentes. Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos. Sin embargo su precedente más inmediato es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos.
Primeros pasos
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
surrealismo en tenerife
Domingo López Torres, Benjamin Péret, Eduardo Westerdahl, Jacqueline Lamba, André Breton, Agustín Espinosa, José M
LA GACETA DE ARTE, CONTRIBUYÓ NOTABLEMENTE AL AL DIFUSIÓN DEL SURREALISMO EN TENERIFE.
la Gaceta de Arte era una revista mensual de arte dirigida por Eduardo Westerdahl entre 1932 y 1936 distribuida en Tenerife de la que se editaron 38 números.
Gaceta de Arte recibe influencias de los movimientos artísticos de vanguardia a través de Alemania, sobre todo de la Bauhaus y el racionalismo arquitectónico. Eduardo Westerdahl, un año antes de fundar la revista, realizó un viaje por Centroeuropa y visitó museos, galerías, universidades, pudiendo palpar el clima espiritual que se vivía en la convulsa República de Weimar. En el primer manifiesto editorial (“Posición”, febrero de 1932), citan una serie de ciudades que influyen, y con las que Tenerife pretende mantener estrecho contacto en relación al arte. Entre estas ciudades estarán: Stuttgart, Dessau, París, Frankfurt, Praga, Dusseldorf, Moscú y Berlín.
La revista se proyectó como un sismógrafo que anota las diferentes variantes del arte contemporáneo. Entre sus páginas podemos ver desde el surrealismo de Dalí a los dibujos artísticos de Grosz; constructivismo como el de Willi Baumeister; la espiritualidad de Kandinsky: textos de Le Corbusier o el arquitecto italiano Alberto Sartoris; junto con textos de Eduardo Westerdahl, Pedro García Cabrera, Domingo López Torres, Emeterio Gutiérrez Albelo, Agustín Espinosa, Domingo Pérez Minik, etc.
Gaceta de Arte se moverá en una órbita universal dentro de lo que puede ser el arte y la cultura, dejando completamente a un lado cualquier atisbo de nacionalismo o regionalismo.
La línea editorial Gaceta de Arte se desvincula de las posturas literarias oficialistas nacionales en favor del modelo intelectual europeo. Revistas como La Revista de Occidente (una de las revistas literarias más importantes de la época), dirigida por Ortega y Gasset exponían una línea editorial favorable al ‘señorío hispano’ y a la ‘inteligenzia’ nacional, de las que Unamuno y Azaña eran grandes mentores. Contrario a ello, Gaceta de Arte, se identifica y compromete con su tierra, pretendiendo ofrecer un registro que sin olvidar su carácter insular, le permita extenderse hacia las metrópolis continentales.
En su primer manifiesto editorial, «Posición», febrero de 1932, Gaceta de Arte establecía su ideario político, filosófico y cultural:
Conectados a la Cultura Occidental, queremos tendernos sobre todos los problemas, en el contagio universal de la época. Sin huir el pensamiento, sin buscar refugio en tratamientos históricos para los fenómenos contemporáneos. Nuestra mirada llena de luz intelectualista de la época. Recorrerá todos los procesos artísticos que tengan un carácter histórico formal. Nuestra posición de isla aislará los problemas a través de esta soledad propia para la meditación y el estudio procuraremos hacer el perfil de los grandes temas, descongestionándolos para buscarles una expresión. Creemos movernos entre naciones. Ser isla en el mar Atlántico (Mar de la Cultura) es apresar una idea occidental y gustaría, hacerla propia despacio, convertirla en sentimiento. Queremos ayudar a una posición occidentalista de España. Seres Atentos, amplios, jóvenes. Y cumplirá en la isla, en la nación, en Europa, la hora universal de la Cultura. Esta será nuestra política.
La revista tenía una tirada de 600 ejemplares, al precio de venta de 1 peseta, exceptuando los dos últimos números que se vendieron a 3,50 pesetas. Los responsables de Gaceta de Arte invirtieron su dinero para enviar la revista a galerías y artistas de reconocimiento tanto en la península como en Europa. Posteriormente, muchos artistas y galerías se suscribieron a Gaceta de Arte, consiguiendo así la revista canaria vencer el inconveniente geográfico.
Gaceta de Arte en las islas Canarias tiene poco arraigo. El 80 % de la población era analfabeta y mostraba poco interés por las corrientes culturales. La revista, que nace con clara vocación universalista, desea que su voz se oiga en Europa y proclama su adhesión a las vanguardias. Es una revista selectiva, de carácter revolucionario, cuyos objetivos rayaban la utopía pretendiendo conseguir un ritmo más rápido en el avance cultural de una sociedad inmóvil. Esto hace que su impacto en la sociedad canaria sea mínimo. En Europa y España sucede lo mismo. Allí la revista solo llegaba a través de suscripciones. Solo interesados en el arte y con cierto bagaje cultural podían adquirirla. Aun así, publicaciones nacionales de la República se hicieron eco de los progresos que Gaceta de Arteconseguía en el mundo del arte, siendo una de las revistas más importantes en el mundo periodístico -artístico nacional e internacional.
Es en el mundo del arte donde el impacto de Gaceta de Arte es absoluto, demostrando modernismo y universalismo. La revista generó un notable aporte de las islas en la cultura internacional de los años treinta.
La Revista El 1 de febrero de 1932 se publica en Tenerife el primer número de Gaceta de Arte. Se trató de una revista que pretendía romper con los cánones modernistas establecidos en el arte. Fruto de ello, Gaceta de Arte se convirtió en una de las publicaciones artísticas de referencia tanto en España como en Europa. En ella tenía cabida al arte en dos de sus vertientes: plástica y literaria. Poco a poco, Gaceta de Arte se convirtió en una guía indispensable para entender las vanguardias artísticas. Imágenes, cuadros, poemas, ensayos y manifiestos de los principales artistas canarios, españoles y europeos eran publicados en Gaceta de Arte. El registro de tendencias artísticas que albergó Gaceta de Arte fue muy amplio y en sus artículos se analizaron tanto los lenguajes abstractos como los figurativos: principalmente el surrealismo, pintura social, nueva objetividad.
La vida de Gaceta de Arte fue muy corta. La publicación tuvo que dejar de editarse por el triunfo en las islas del Alzamiento Nacional. A pesar de que la línea editorial de la revista tenía su propio espacio lejos de partidismos de la época, algunos de sus integrantes estaban afiliados al partido socialista español. Varios de sus colaboradores fueron perseguidos y asesinados.
Gaceta de Arte recibe influencias de los movimientos artísticos de vanguardia a través de Alemania, sobre todo de la Bauhaus y el racionalismo arquitectónico. Eduardo Westerdahl, un año antes de fundar la revista, realizó un viaje por Centroeuropa y visitó museos, galerías, universidades, pudiendo palpar el clima espiritual que se vivía en la convulsa República de Weimar. En el primer manifiesto editorial (“Posición”, febrero de 1932), citan una serie de ciudades que influyen, y con las que Tenerife pretende mantener estrecho contacto en relación al arte. Entre estas ciudades estarán: Stuttgart, Dessau, París, Frankfurt, Praga, Dusseldorf, Moscú y Berlín.
La revista se proyectó como un sismógrafo que anota las diferentes variantes del arte contemporáneo. Entre sus páginas podemos ver desde el surrealismo de Dalí a los dibujos artísticos de Grosz; constructivismo como el de Willi Baumeister; la espiritualidad de Kandinsky: textos de Le Corbusier o el arquitecto italiano Alberto Sartoris; junto con textos de Eduardo Westerdahl, Pedro García Cabrera, Domingo López Torres, Emeterio Gutiérrez Albelo, Agustín Espinosa, Domingo Pérez Minik, etc.
Gaceta de Arte se moverá en una órbita universal dentro de lo que puede ser el arte y la cultura, dejando completamente a un lado cualquier atisbo de nacionalismo o regionalismo.
La línea editorial Gaceta de Arte se desvincula de las posturas literarias oficialistas nacionales en favor del modelo intelectual europeo. Revistas como La Revista de Occidente (una de las revistas literarias más importantes de la época), dirigida por Ortega y Gasset exponían una línea editorial favorable al ‘señorío hispano’ y a la ‘inteligenzia’ nacional, de las que Unamuno y Azaña eran grandes mentores. Contrario a ello, Gaceta de Arte, se identifica y compromete con su tierra, pretendiendo ofrecer un registro que sin olvidar su carácter insular, le permita extenderse hacia las metrópolis continentales.
En su primer manifiesto editorial, «Posición», febrero de 1932, Gaceta de Arte establecía su ideario político, filosófico y cultural:
Conectados a la Cultura Occidental, queremos tendernos sobre todos los problemas, en el contagio universal de la época. Sin huir el pensamiento, sin buscar refugio en tratamientos históricos para los fenómenos contemporáneos. Nuestra mirada llena de luz intelectualista de la época. Recorrerá todos los procesos artísticos que tengan un carácter histórico formal. Nuestra posición de isla aislará los problemas a través de esta soledad propia para la meditación y el estudio procuraremos hacer el perfil de los grandes temas, descongestionándolos para buscarles una expresión. Creemos movernos entre naciones. Ser isla en el mar Atlántico (Mar de la Cultura) es apresar una idea occidental y gustaría, hacerla propia despacio, convertirla en sentimiento. Queremos ayudar a una posición occidentalista de España. Seres Atentos, amplios, jóvenes. Y cumplirá en la isla, en la nación, en Europa, la hora universal de la Cultura. Esta será nuestra política.
La revista tenía una tirada de 600 ejemplares, al precio de venta de 1 peseta, exceptuando los dos últimos números que se vendieron a 3,50 pesetas. Los responsables de Gaceta de Arte invirtieron su dinero para enviar la revista a galerías y artistas de reconocimiento tanto en la península como en Europa. Posteriormente, muchos artistas y galerías se suscribieron a Gaceta de Arte, consiguiendo así la revista canaria vencer el inconveniente geográfico.
Gaceta de Arte en las islas Canarias tiene poco arraigo. El 80 % de la población era analfabeta y mostraba poco interés por las corrientes culturales. La revista, que nace con clara vocación universalista, desea que su voz se oiga en Europa y proclama su adhesión a las vanguardias. Es una revista selectiva, de carácter revolucionario, cuyos objetivos rayaban la utopía pretendiendo conseguir un ritmo más rápido en el avance cultural de una sociedad inmóvil. Esto hace que su impacto en la sociedad canaria sea mínimo. En Europa y España sucede lo mismo. Allí la revista solo llegaba a través de suscripciones. Solo interesados en el arte y con cierto bagaje cultural podían adquirirla. Aun así, publicaciones nacionales de la República se hicieron eco de los progresos que Gaceta de Arteconseguía en el mundo del arte, siendo una de las revistas más importantes en el mundo periodístico -artístico nacional e internacional.
Es en el mundo del arte donde el impacto de Gaceta de Arte es absoluto, demostrando modernismo y universalismo. La revista generó un notable aporte de las islas en la cultura internacional de los años treinta.
La Revista El 1 de febrero de 1932 se publica en Tenerife el primer número de Gaceta de Arte. Se trató de una revista que pretendía romper con los cánones modernistas establecidos en el arte. Fruto de ello, Gaceta de Arte se convirtió en una de las publicaciones artísticas de referencia tanto en España como en Europa. En ella tenía cabida al arte en dos de sus vertientes: plástica y literaria. Poco a poco, Gaceta de Arte se convirtió en una guía indispensable para entender las vanguardias artísticas. Imágenes, cuadros, poemas, ensayos y manifiestos de los principales artistas canarios, españoles y europeos eran publicados en Gaceta de Arte. El registro de tendencias artísticas que albergó Gaceta de Arte fue muy amplio y en sus artículos se analizaron tanto los lenguajes abstractos como los figurativos: principalmente el surrealismo, pintura social, nueva objetividad.
La vida de Gaceta de Arte fue muy corta. La publicación tuvo que dejar de editarse por el triunfo en las islas del Alzamiento Nacional. A pesar de que la línea editorial de la revista tenía su propio espacio lejos de partidismos de la época, algunos de sus integrantes estaban afiliados al partido socialista español. Varios de sus colaboradores fueron perseguidos y asesinados.